El rincón del encanto

REMODELACIÓN

2011-10-05T00:48:00.003-05:00

Una nueva cara, un nuevo inicio, una verdadera permanencia
MUY PRONTO.

Otro grande nos deja

2010-06-18T11:47:00.007-05:00

José Saramago nació en Azinhaga (Portugal) en 1922. Antes de responder a la llamada de la literatura trabajó en diversos oficios, desde cerrajero o mecánico, hasta editor. En 1947 publicó su primera novela, "Tierra de pecado". Pese a las críticas estimulantes que entonces recibió, el autor decidió permanecer sin publicar más de veinte años porque, como él afirma ahora «quizá no tenía nada que decir». Sin embargo, a finales de los sesenta se presentó con dos libros de poemas: "Os poemas possiveis" y "Provavelmente alegría". Puede que la demorada publicación de sus textos sea el motivo por el que numerosos críticos lo consideran un «autor tardío».

El reconocimiento a escala internacional le llegan con la aparición en 1982 de su ya legendaria novela "Memorial del convento", a la que siguió "El año de la muerte de Ricardo Reis". El trabajo narrativo de José Saramago goza desde entonces de una admiración sin límites, que cada nuevo título va confirmando: "La balsa de piedra", "Historia del cerco de Lisboa", "El evangelio según Jesucristo", "Ensayo sobre la ceguera". Todos estos textos -que suscitan tantos elogios como reñidos debates- consagran a José Saramago como una de las principales figuras de la literatura de este siglo.

Ha recibido el Premio Camoes, equivalente al Premio Cervantes en los países de lengua portuguesa.

En el 2008 el escritor con 85 años cumplidos inicia una nueva travesía, en el mundo virtual a través de un blog el cuál fue titulado “Los cuadernos de Saramago” . Por este medio Saramago intervino en asuntos de máxima actualidad. Abogó por que se agravaran "al máximo" las penas de prisión para los autores de violencia machista y aseguró que con la muerte del poeta uruguayo Mario Benedetti -ocurrida en mayo del pasado año- "el planeta se hizo pequeño para albergar la emoción de las personas". Saramago se despide de sus lectores virtuales en Septiembre de 2009, no sin admitir que “sí alguna vez tuviera algo que comentar u opinar sobre algo” llamaría a la puerta de “El cuaderno” al que considera el lugar donde mejor podía expresarse. Al despedirse del blog ya anunciaba a los lectores la publicación de la que fue su última novela Caín.

Hoy el mundo se queda sin otra de las más grandes figuras del mundo literario, en el rincón del encanto damos un: Descanse en Paz estimado y querido José Saramago.

- La muerte es un proceso "natural, casi inconsciente". "Entraré en la nada y me disolveré en ella"

- "Antes de empezar a escribir, tengo que escuchar lo que suena en mi cabeza, porque si acabo una frase con todo sentido, pero a esa frase le faltan armonía y melodía, es que aún sigue incompleta"

- "Sigo escribiendo, intentándolas comprender (las cosas), porque no tengo nada mejor que hacer y sabiendo que llegaré al final sabiendo lo mismo que sabía antes, es decir poco o casi nada"

http://cuaderno.josesaramago.org/

La poeta que se perdio en el mar

2010-05-04T11:10:00.004-05:00

Hablamos de Alfonsina Storni, uno de los personajes que quedan grabados en la historia, su vida de lucha ante un mundo en el cual la mujer apenas esta saliendo del silencio. Alfonsina es un icono para países latinoamericanos, y nos muestra el ser mujer, un interior de pasiones desbordadas, crisis, y pensamientos etereos que no eran exclusivos del sexo masculino. Es por esto y por otras tantas razones que ella se convierte en una leyenda de la literatura hispanoamericana, se convierte en el eco de una memoria colectiva, en personaje de canciones como la de Mercedes Sosa.

La canción misma habla de una mujer que sufre y que decide marcharse “vestida de mar”, y el mito ha establecido que la autora de El dulce daño caminó aguas adentro hasta ahogarse, víctima de una depresión amorosa. Una muerte más poética, imposible.

La realidad fue otra, pero nos estamos adelantando en su historia. Alfonsina nace en Suiza en 1892, tercer hija de la familia Storni, años posteriores comentaria “me llamaron Alfonsina, que quiere decir dispuesta a todo”

Al terminar el año de 1911, decide trasladarse a Buenos Aires. «En su maleta traía pobre y escasa ropa, unos libros de Darío y sus versos». Pobre equipaje para enfrentarse con una ciudad que estaba abierta al mundo, con las expectativas puestas en esa inmigración que traería nuevas manos para producir y nuevas formas de convivencia. El nacimiento de su hijo Alejandro, el 21 de abril de 1912, define en su vida una actitud de mujer que se enfrenta sola a sus decisiones.

Y siendo madre soltera decide abrirse camino en un mundo masculino, cuando intenta ingresar a Frexias y Hermanos, era la única mujer solicitante entre otros cien prospectos masculinos, a pesar de no querer ser evaluada, insiste en compararse con el resto, y obviamente por sus grandes capacidades gana el puesto, pero con un sueldo por muy debajo de lo que realmente se le debía ofrecer.

El 20 de mayo de 1935 Alfonsina fue operada de un cáncer de mama. La mastectomia le deja grandes cicatrices físicas y emocionales. Siempre había sufrido de depresión, paranoia y ataques de nervios, pero ahora los síntomas de enfermedad mental se recrudecen. Se vuelve recluida y evita a sus amistades.

El 25 de Octubre de 1938 Alfonsina se dirige al mar del plata por la madrugada. Esa mañana, dos obreros descubrieron el cadáver en la playa. Hay dos versiones sobre el suicidio de Alfonsina: la más popular, de tintes románticos, dice que se internó lentamente en el mar. La versión de los investigadores y biógrafos afirma que se arrojó a las aguas desde una escollera, víctima de la gran depresión que le produjo el cáncer.

Hoy no importa si solo se arrojo al mar, lo cierto es que su suicidio da lugar a otra de las tantas muertes poéticas y de una autora tan importante para nuestras raíces, que nos dejo un gran coctel de poesía maravillosa.

Y no sé ustedes, pero yo prefiero seguir con la historia de Alfonsina, fundiéndose con el mar con todo y sus pasiones.

¡Ayme!

Y sabías amar, y eras prudente,
y era la primavera y eras bueno,
y esetaba el cielo azul, resplandeciente.

Y besabas mis manos con dulzura,
y mirabas mis ojos con tus ojos,
que mordian a veces de amargura.

Y yo pasaba como el mismo hielo...
Yo pasaba sinv er en dónde estaba
ni el cruel infierno ni el amable cielo.

Yo no sentia nada... En el vacío
vagaba con el alma condenada
a mi dolor satánico y sombrío

Y te dejé marchar calladamente,
ati, que amar sabias y eras bueno,
y eras dulce, magnánimo y prudente.

Toda palabra en ruego te fue poca,
pero el dolor cerraba mis oídos...
Ah estaba el alma como dura roca.

Hoy inicia Rally Parinacota

2009-06-15T11:44:00.005-05:00

El día de hoy dio inicio Rally Parinacota de Adigma. Dando inició a este post hago el anuncio y ahora los interno en el tema. Adigma es un juego de lógica, destreza, creatividad y cultura general, creado por un mexicano, es un juego de mesa que puedes encontrar en algunas tiendas departamentales o librerías; en mi caso lo encontré en gandhi y gracias a los días de inflluenza en que se suspendieron labores y no había más que hacer, me interne en la búsqueda de un buen juego que pudiéramos aprovechar en familia y en la librería gandhi de Guadalajara dí con él.

La verdad que no pensé que el juego fuera tan bueno, consiste en formar equipos de una persona hasta el número de personas que se desee. El tablero lo forman los jugadores y se va avanzando dependiendo del número de retos que los equipos vayan contestando. Cada jugada consiste en cinco retos, cada reto tiene distinta puntuación uno o dos puntos que posteriormente se convertirán en monedas. Las monedas serán las posibilidades que tienes para avanzar, haciendo de este juego una total estrategia. Lo que más que gusto es que a diferencia de otros juegos donde los dados de la suerte son los que te ayudan a avanzar, en este juego depende totalmente del jugador la posibilidad de llegar o no a la meta. Los retos consisten en resolver distintos problemas, que van desde armar un rompecabezas, descubrir que es una fotografía que esta de cerca, encontrar el error en una oración, hasta en crear tu propio anunció radiofónico, entre otros tantos. El juego consta de 3,500 retos distintos, por lo cual cada ocasión que juegas encontraras retos nuevos, divertidos que ayudan a mantener trabajando tu mente.

Por si no fuera poco que este juego esta espectacular, Adigma abrió una página de Internet donde puedes encontrar otros retos, además de que existen diversos rallys que puedes jugar. Como en todo rally hay que llegar a una cima y la forma para que llegues es ir solucionando los diversos retos que se van presentando, esto es un juego que dura varios días ya que entre una etapa y otra, el jugador que va a la cabeza y es el primero que resuelve el reto tiene que esperar 24 horas para la siguiente etapa.

Así que aún estan a tiempo de ingresar a este nuevo rally que se abrió hoy, el Parinacota que como los rallys anteriores seguro estará lleno de buenos retos que pondrán a trabajar nuestra mente. Suerte y espero nos veamos en la cima!!!

www.adigma.com.mx

Réquiem al orador de la nostalgia

2009-05-20T10:42:00.003-05:00

Un gran poeta se nos ha ido de este mundo, el pasado domingo Mario Benedetti escritor uruguayo falleció después de varias recaídas. Este poeta le canto al amor, a la nostalgia, a la añoranza, a la melancolía. Un hombre que llego a tocar el corazón de muchas personas, creyentes y no creyentes de que el amor aún existe . Un gran literato que nos ha dejado grandes obras que se recordaran, “Gracias por el fuego” “Primavera con una esquina rota” “La Tregua” “Con y sin nostalgia” “Andamios” “El olvido esta lleno de memoria” entre otras muchas obras literarias que cautivaron a sus lectores. Se sumergió en varios géneros literarios, tales como la dramaturgia, narrativa, ensayo y poesía, por lo cual nos da una amplia gama de opciones para todos gustos. Ese literato fue un pedestal importante en mi formación tanto personal como literaria, llego a mi vida cuando yo aún era muy chica, y compartí sus textos con muchas personas importantes, por ello he visto la vida a la Benedetti, amante de la nostalgia, del recuerdo y el puede ser. Cito a aundlang “Crecimos pensando en el amor a través de la mirada de Benedetti… éramos escuinclas cuando nos enamoro”, eso nos convirtió en “románticas de corazón, fatalistas, extremas… poéticas” Muchas personas alrededor del mundo se entristecieron con su muerte, hoy y siempre le recordaremos señor Benedetti, gran hombre que lleva el título de LITERATO, con todo el peso de la palabra.

Dejo en este pequeño escrito una pluma para este gran literato. Descanse en paz Mario Benedetti

“¿Cómo puedes dejar que tus palabras te mientan y te olviden y te pudran?...”
“Nacido como todos de un deseo/ en la noche trivial y en la distancia/ de la nada…”
“Yo no elijo mis sueños, es la almohada…”

El olvido está lleno de memoria

No te quedes inmóvil
al borde del camino
no congeles el júbilo
no quieras con desgana
no te salves ahora
ni nunca
no te salves
no te llenes de calma

no reserves del mundo
sólo un rincón tranquilo
no dejes caer los párpados
pesados como juicios

no te quedes sin labios
no te duermas sin sueño
no te pienses sin sangre
no te juzgues sin tiempo

pero si
pese a todo
no puedes evitarlo
y congelas el júbilo
y quieres con desgana

y te salvas ahora
y te llenas de calma
y reservas del mundo
sólo un rincón tranquilo
y dejas caer los párpados
pesados como juicios
y te secas sin labios
y te duermes sin sueño
y te piensas sin sangre
y te juzgas sin tiempo
y te quedas inmóvil
al borde del camino
y te salvas
entonces
no te quedes conmigo

Una muerte poetica

2008-06-02T12:19:00.002-05:00

Rilke nació en Praga en 1875 y murió en Val-Mont, Suiza, en 1926, a los 51 años. Creció como hijo único de un padre militar y autoritario y una madre un tanto frívola, cuya mayor preocupación fue el alcanzar alguna posición en la corte del Imperio Austro-Húngaro. Una hermana mayor falleció tempranamente y su madre, en un intento un tanto extravagante de mantener la memoria de la hija muerta, vistió al poeta de mujer. Esto no significó un problema a nivel de su identidad sexual, pero Rilke lo vivió en el recuerdo como un signo de desamor y casi como una afrenta por parte de su madre. Un atropello semejante experimentó el poeta de parte de su padre, cuando éste lo obligó a ingresar a la Escuela Militar Superior de Sankt Pölkten a los 15 años, a pesar de su extrema sensibilidad artística y su ninguna vocación para esa carrera. Después de dos años de un verdadero calvario consiguió ser dado de baja y retomar sus estudios secundarios. A los 20 años inició estudios de Arte, Literatura, Historia y Filosofía en la Universidad de München, estudios que no terminó, pero ya empezó entonces a destacarse como poeta. En 1898, a los 23 años, conoce a Lou Andreas-Salomé, mujer famosa en su época por su debilidad por los hombres geniales (antes de Rilke había sido muy amiga de Nietzsche y después lo fue de Sigmund Freud). Desde ese momento en adelante su vida va a ser un largo peregrinaje que no se detendrá prácticamente hasta su muerte. Vivió por períodos en distintos lugares de Rusia, Alemania, Italia, Francia y España, manteniéndose en parte con alguna herencia familiar, en parte con las conferencias que daba, pero sobre todo con la protección de mecenas como la princesa Thurn und Taxis, a quien conoció en 1909. Fue un paneuropeísta, en lo cual se adelantó casi cien años a la Unión Europea. Supo apreciar las particularidades y bondades de cada una de las culturas que conformaban ese continente. Habló y escribió en alemán, ruso, francés e italiano y hablaba bastante castellano, inglés, holandés y danés. Mantuvo amistad y un intenso intercambio epistolar con muchos escritores y artistas famosos, como Tolstoi, Rodin, André Gide, Hugo von Hofsmannstal, Gerhert Hauptmann y Franz Werfel, entre otros. Vivió algunos años en una comunidad de artistas liderados por Heinrich Vogeler y Otto Modersohn en Worpswede, cerca de Bremen. Ahí conoció a Clara Westhoff, la escultora y alumna de Rodin que sería su esposa y madre de su única hija. Su matrimonio duró poco, sin embargo, a causa de esa permanente inquietud que caracterizó su vida y que le impedía permanecer mucho tiempo en algún lugar o ligado muy estrechamente a una persona. Uno de sus grandes sufrimientos fue la Primera Guerra Mundial, acontecimiento que él nunca logró comprender, dado su amor por la Europa unida. Es así como durante la guerra cayó en un largo período de improductividad, no logrando escribir casi nada. La guerra significó también la tremenda humillación de que su departamento en París fuera allanado por la policía y vendidas sus pertenencias en remate público. Afortunadamente André Gide logró salvar parte de sus libros y documentos.
La obra literaria de Rainer Maria Rilke es realmente monumental, pudiendo distinguirse dos períodos, uno de poesía lírica, en la que abarca todos los temas imaginables, incluidos los religiosos, usando metro y rima con un talento comparable al de los más grandes poetas de la historia. A partir de 1912 y con la mencionada interrupción causada por la guerra, Rilke inicia otro tipo de poesía, llamada metafísica, en la cual alcanza un nivel de profundidad que en la opinión de muchos expertos no tienen parangón, al menos en el siglo veinte. En esta etapa destacan las notables Elegías del Duino y los Sonetos a Orfeo, obras que tuvieron una enorme influencia en la filosofía alemana contemporánea y, en particular, en Martín Heidegger.
Como una forma de asomarnos al mundo de las Elegías y percibir su trascendencia, reproduciremos acá algunos párrafos de una carta que Rilke escribiera el 13 de Noviembre de 1925, un año antes de su muerte, a su editor, el polaco Wietold Hulewicz y en la que él intenta explicar el sentido de sus Elegías: "Estas poesías conducen a la demostración de que esta vida, así dependiendo de lo inseguro, es imposible. En las elegías la vida se hace otra vez posible. Es la afirmación de la vida y de la muerte... No hay ni un aquende ni un allende, sino la gran unidad en la cual también habitan los seres que nos superan, los ángeles... En aquel máximo ‘mundo abierto’ existen todos... La naturaleza, las cosas de nuestro trato cotidiano y de nuestro uso son, por cierto, provisionales y caducas, pero son, mientras estamos aquí en la tierra, nuestra propiedad y nuestra amistad. Ellas son consabidoras de nuestra alegría y de nuestra miseria y ya fueron las confidentes de nuestros antepasados... Las cosas tienen que ser comprendidas y transformadas por nosotros. ¿Transformarlas? Si, porque nuestra tarea es ésta: impregnarnos de esta tierra provisional y caduca tan profundamente, tan dolientemente, tan apasionadamente, que su esencia resurja otra vez en nosotros, invisible. Somos las abejas de lo invisible... El ángel de las elegías es aquella criatura en la cual ya aparece consumada esa tarea que nosotros venimos realizando de transformar lo visible en invisible...El ángel de las elegías es aquel ser que garantiza el reconocimiento en lo invisible de un grado superior de realidad. Y por eso es ‘terrible’ para nosotros, porque nosotros seguimos dependiendo de lo visible. Todos los mundos del universo se precipitan hacia lo invisible como hacia su más próxima y profunda realidad... Nosotros somos... los transformadores de la tierra; toda nuestra existencia , (incluso) los vuelos y caídas de nuestros amores, todo nos capacita para esta tarea..."
Rilke murió de una leucemia en Diciembre de 1926. El empeoramiento de su estado físico, que lo llevó a la muerte, se produjo a raíz de haberse pinchado con la espina de una rosa mientras cuidaba el jardín del castillo Muzot, en Suiza, donde vivió retirado los últimos años de su vida. Sin duda que su muerte fue una muerte poética y en ese sentido, una "muerte propia", ésa que debe calzarle a uno "como un vestido".

El libro de las horas

Vivo mi vida en ondas crecientes

que se tienden sobre las cosas.

La última acaso no llegue a trazarla,

pero voy a intentarlo.

Giro en torno a Dios, la torre antigua,

llevo milenios girando;

y aún no sé si soy alcón o vendaval

o un grandioso canto.

A ti, oscuridad de la que vengo,

te amo más que a la llama

que limita el mundo

y brilla sólo

para algún círculo

fuera del cual ningún ser sabe de ella.

Pero la oscuridad lo retiene todo:

formas y llamas, animales y a mí,

tal como los atrapa,

personas y poderes...

Y puede que una gran fuerza

cerca de mí se agite.

Creo en las noches.

2008-04-24T16:11:00.003-05:00

El autor no lo hizo para mí / yo tampocolo

leo para él / yo y el libro

nos precisamos mutuamente / somos

una pareja despareja /

el libro tiene ojos tacto olfato

hace preguntas y hace señas

puede ser una esponja que me absorbe

o un interlocutor vacío de prejuicios

el libro y yo tenemos un pasado

en común / con frutales seducciones

yo a veces le confisco a madame bovary

y él me despoja de ana karenina /

si nos empalagamos de esos amores yertos

ya somos otros y nos reconciliamos

el libro me provoca / me arranca confesiones

y yo le escribo notas en los márgeneses

una relación casi incestuosa

nos conocemos tanto que no nos aburrimos

él me describe cielos incendiados

y yo se los extingo con lágrimas marinas

no lo hizo para mí / ¿será por eso

que el rostro no me importa? / es un enigma /

yo sólo quiero descifrar el libro

y quedarme en su vida hasta mañana

Mario Benedetti

Un poco de Anne Rice

2008-02-09T22:04:00.000-06:00

Anne Rice es una escritora de la literatura de horror, que a pesar de ser considerada por muchos como una escritora que solo tiene literatura simple y light, es una de las que mayores ventas tiene. Si bien es cierto que no se necesita de mucha ciencia para entender a Anne Rice, también es cierto que es actualmente la maestra del vampirismo., y a pesar de que no soy muy fan de los best-sellers, ella si ha podido envolverme en ese mundo de seres obscuros. Su verdadero nombre es Howard Allen O’Brien y nació en Nueva Orleans el 4 de octubre de 1941. Desde muy pequeña cambio su nombre por el de Anne, y en 1961 se caso con el poeta y pintor Stan Rice, ha publicado también con los pseudónimos de Anne Rampling y A.N. Roquelaure, este ultimo estuvo orientado a la literatura erótica, con libros tales como la trilogía de la Bella Durmiente. Pero lo cierto es que al escuchar el nombre el Anne Rice lo primero que se nos viene a la mente son los vampiros.

Su primer libro con esta temática es Entrevista con el vampiro, que fue escrito en 1973 y publicado en 1976, y a partir de este libro surge toda una saga de crónicas vampiricas, en las cuales los vampiros abren su ser para conocerlos, y entender sus sufrimientos.

He aquí una lista de sus crónicas vampiricas:

· Entrevista con el vampiro (1976)
· Lestat el vampiro (1985)
· La reina de los condenados (1988)
· El ladrón de cuerpos (1992)
· Memnoch, el Diablo (1995)
· El vampiro Armand (1998)
· Merrick (2000)
· Sangre y oro (2001)
· El santuario (2002)Cántico de sangre (2003)

El crimen de ser vegetariano

2008-01-11T12:55:00.000-06:00

Hace un par de días me encontré con un ex, ahora yo tengo un bebé y me pregunto por él, y yo ya internada en la charla, le comenté sobré un problema que me mantiene desesperada. Y es que no he encontrado un medico que acepte mi decisión de hacer a mi hijo vegetariano. Él me pregunto si el padre de mi hijo era así loquito como yo. Loquito ¿cómo? –pregunte-

“Así vegetariano como vos.”

Hice caso omiso del comentario, aunque en el fondo me molesto, ahora resulta que por ser vegetarianos somos loquitos. Me he enfrentado a muchas malas opiniones de las personas cuando se dan cuenta que soy vegetariana, en muchas ocasiones me he sentido como un genocida, un pervertido, pederasta o algo así, ya que constantemente tengo que ocultar mi forma de vida para evitar críticas y comentarios. Comentarios que van desde “loquita” hasta “¿Y una lechuga no te da lastima comértela? Digo, también tiene vida” No critico la forma de vida (de alimentación) del resto de las personas. La mayoría de las personas que me rodean son omnívoros, y respeto su decisión de vida, ¿por qué ellos no respetan la mía? Ser vegetariano no es un crimen, me canse de las miradas y de los comentarios a mis espaldas. Mi familia esta en desacuerdo y por más que han pasado más de 10 años de que me hice vegetariana, aún no lo han aceptado. Dicen que al hacer a mi hijo vegetariano estoy decidiendo por él, pero díganme ¿qué es lo que hacen los padres sino eso? Decidir por sus hijos que es lo que esta bien o lo que esta mal. Cuando me convencieron de bautizarlo y tome la decisión de inscribirlo al club de los católicos, nadie hablo, ¿por qué les cuesta entonces tanto problema el decidir que sea vegetariano? Existen muchos tabúes con respecto a este tema, la gente no puede imaginar la vida de las personas que no comemos cadáveres. Si yo no voy por la vida predicando o tratando de convencer a los demás de hacerse veganos o vegetarianos, creo que merezco por lo tanto el mismo respeto a mi forma de vida.

La vida de un vegetariano no es fácil. Muchos de los restaurantes de comida rápida no tienen opción para los vegetarianos, por lo tanto si estas en la calle, sin comida y tienes hambre tienes que conformarte con cualquier cosa. Me alegre tanto cuando viaje a Alemania al darme cuenta de que ahí si tienen más opciones, entraba a Mc Donald’s y hasta ahí tenía una opción. Las fiestas y reuniones se convierten en un martirio porque normalmente la comida que te ofrecen contiene carne, y es muy vergonzoso decir “no gracias”. Muchas personas lo toman a mal, es entonces cuando se realiza el comentario tan repetido “Soy vegetarian@” y es cuando todos comienzan a mirar, y entonces comienzan los comentarios y preguntas de siempre. "¿Y qué es lo que comes si no comes carne?" (Existen muchas otras cosas que se pueden comer que no sea carne, existen los cereales, las frutas, las verduras, las pastas, pan, etc.) "¿Y no se te antoja así un rico bistec?" (Que no como carne desde hace mucho tiempo, por supuesto que no) Y después de muchas preguntas por el estilo vienen las comentarios. “Pues yo no podría VIVIR sin la carne” (Bueno, entonces tú come carne, esta bien) Más tarde comienzan los ataques “Pero el hombre se creo para comer carne” “Dios puso a los animales para que nos los comiéramos” “Los hombres somos seres superiores y podemos disponer de los animales a nuestro antojo” “Siempre se ha comido carne, es ley de vida, ¿porque no íbamos a seguir haciéndolo?” Lo que yo no termino de comprender es: Si yo no los estoy criticando ¿por qué ellos a mi si? Siempre la conversación termina molestándome, y prefiero retirarme con cualquier excusa, y entonces viene lo peor. En próximas reuniones o si te encuentras con las mismas personas en la calle, dejas de ser una persona con nombre para convertirte en: “la conejita” “el caballo” “la vaca que come pasto” Vuelvo a repetir, yo no los he criticado, no les dije come-cadáveres, animales, enfermos, ni siquiera carnívoros, ahhh pero es que es tan gracioso llamarme así porque soy una loquita que no come carne. Hago hincapié en que no todas las personas reaccionan de la misma forma, me he encontrado con quien acepta mi postura y convivo con esas personas. Hasta los acompaño a los restaurantes aunque yo solo coma una quesadilla.

No pretendo con esto convencer a nadie de mi postura, solo que se den cuenta de que hay que respetar la forma de pensar de los otros, y si alguno tiene un amigo vegano o vegetariano, traten de darse cuenta de lo que tiene que enfrentar. Piensen dos veces antes de hacer un comentario hiriente (gracioso para muchos), es solo una forma de vivir que respeta la vida de otros seres.

Para más información del Veganismo:
http://es.wikipedia.org/wiki/Veganismo
http://www.forovegetariano.org/
http://www.unionvegetariana.org/
http://www.mundovegetariano.com/
http://www.vegetarianismo.net/

Ron Mueck

2007-11-16T11:40:00.000-06:00

Ron Mueck nació en Melbourne, Australia en 1958 de padres con origen alemán, hoy día radicado en Inglaterra. Su trabajo comenzó en el cine, realizando efectos especiales. Más tarde dedica su vida al arte, con la realización de obras plásticas en tamaño sorprendente, lo más llamativo de su obra es el impresionante realismo que se encuentra dentro de las mismas. Una perfección sorprendente, con el cuidado de hasta el más mínimo detalle simulando la naturaleza humana con toda la crudeza y magnificencia que esta misma conlleva. “Dead Dad” (papá muerto) es una obra realizada con silicona, poliéster, resinas y otros materiales, donde usa su propio cabello para darle más realismo a la obra. Los críticos lo relacionan con el arte griego, quienes representaban constantemente el cuerpo humano, pero Mueck con nuevos materiales logra un hiperrealismo que es verdaderamente asombroso.

Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reaccionesextremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicoscomo Da mien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a Durante el siglo XIX las corrientes artísticas se fueron alejando de la representación clásica, en especial en lo que se refería a la reproducción de las formas humanas y animales, donde el tradicionalismo de la herencia greco romana había inspirado el trabajo de miles de creadores que vieron en los científicos anatomistas una fuente de inspiración.

Día de muertos

2007-10-30T11:30:00.000-06:00

El día 2 de noviembre se celebra en México “El día de muertos” Esta es una festividad donde se mezcla la cultura prehispánica así como las creencias católicas. Es una de las pocas tradiciones que se conservaron de nuestro México antiguo, adhiriéndole un nuevo matiz cristiano a la fiesta. Se contrastan dos tipos de sentimientos en la celebración, como lo es, el dolor de perder a un ser querido recordándolo en este día, y el colorido de la fiesta, así como la diversión. Nuestros antepasados prehispánicos creían que en esta fecha los muertos volvían de ultratumba para visitar a sus seres queridos que permanecían en este plano terrestre. Y como a toda visita se le debe consentir se les hacían altares donde se colocan diversos objetos que eran del agrado del muerto al que se le hace homenaje, así como sus comidas predilectas. A las personas que desconocen esta tradición les puede parecer un poco lúgubre nuestra festividad, ya que es parte de la misma celebración realizar versos llamados “calaveras” donde se hace burla a la misma muerte. Es también común encontrar en estas fechas por todos lados, las tan famosas calaveritas de azúcar, y ahora también de chocolate. Esa es la forma en que el mexicano acepta y vive con la muerte y para que tengan mayor conocimiento de nuestra gran fiesta, les dejo más información al respecto.

El día de Muertos

El Día de Muertos es una celebración mexicana de origen indígena que honra a los difuntos el 2 de noviembre, comenzando desde el 1 de noviembre, y coincidiendo con las celebraciones católicas de Día de los Fieles Difuntos y Todos los Santos. Es primariamente una festividad mexicana y centroamericana, se celebra también en muchas comunidades de los Estados Unidos, donde existe una gran población mexicana y centroamericana.
Los orígenes de la celebración del Día de Muertos en México, pueden ser trazados hasta la época de los indígenas de Mesoamérica, tales como los aztecas, mayas, purépechas, nahuas y totonacas. Los rituales que celebran la vida de los ancestros se realizan en estas civilizaciones por lo menos desde hace 3,000 años. En la era prehispánica era común la práctica de conservar los cráneos como trofeos y mostrarlos durante los rituales que simbolizaban la muerte y el renacimiento.
El festival que se convirtió en el Día de Muertos era conmemorado el noveno mes del calendario solar azteca, cerca del inicio de agosto, y era celebrado durante un mes completo. Las festividades eran presididas por la diosa Mictecacíhuatl, conocida como la "Dama de la Muerte" (actualmente relacionada con "la Catrina", personaje de José Guadalupe Posada) y esposa de Mictlantecuhtli, Señor de la tierra de los muertos. Las festividades eran dedicadas a la celebración de los niños y las vidas de parientes fallecidos.

Transformación del ritual

Cuando los conquistadores llegaron a América en el siglo XV, se aterraron por las prácticas paganas de los indígenas, y en un intento de convertir a los nativos americanos al catolicismo movieron la fecha del festival hacia principios de noviembre para que coincidiese con las festividades católicas del Día de todos los Santos y Todas las Almas. Los españoles combinaron sus costumbres con el festival similar mesoamericano, creando de este modo el actual Día de Muertos.
En la actualidad, muchas personas han reemplazado al Día de Muertos por el Halloween estadounidense que se celebra dos días antes, es decir el 31 de octubre. Sin embargo, ambas tradiciones son completamente diferentes, ya que en la cultura sajona no existe una tradición similar al día de muertos; el Halloween es el día de las brujas.

Calaveritas

Se les llama así tanto a las rimas o versos satíricos como a los grabados que ilustran calaveras disfrazadas, descritas a continuación:

Rimas. también llamadas "calaveras", que constan de versos donde la muerte (personificada) bromea con personajes de la vida real, haciendo alusión sobre alguna característica peculiar de la persona en cuestión. Finalizan con frases donde se expone que se lo llevará a la tumba. Es muy común dedicar las "calaveritas" a personajes públicos, en especial a políticos en el poder. En muchos casos la rima habla del aludido como si estuviera ya muerto.

Grabados: Litografías, generalmente de José Guadalupe Posada, que aunque no dibujó específicamente para Día de Muertos, se usan en estas fechas por sus alusiones a la muerte.

Simbolismo ´

Calaveras de dulce, tienen escritos el nombre del difunto (o en algunos casos de personas vivas, en forma de broma modesta que no ofende en particular al aludido) en la frente, son consumidas por parientes o amigos.

Pan de muerto. Platillo especial del Día de Muertos. Es un panecillo dulce que se hornea en diferentes figuras, desde simples formas redondas hasta cráneos, adornado con figuras del mismo pan en forma de hueso y se espolvorea con azúcar.

Flores. Durante el período del 1 al 2 de noviembre las familias normalmente limpian y decoran las tumbas con coloridas coronas de flores de rosas, girasoles, entre otras, pero principalmente de Cempaxóchitl, las cuales se cree atraen y guían las almas de los muertos. Casi todos los panteones]] son visitados.

El altar y las visitas. Se cree que las almas de los niños regresan de visita el día primero de noviembre, y las almas de los adultos regresan el día 2. En el caso de que no se pueda visitar la tumba, ya sea por que ya no existe la tumba del difunto, o porque la familia está muy lejos para ir a visitarla, también se elaboran detallados altares en las casas, donde se ponen las ofrendas, que pueden ser platillos de comida, el pan de muerto, vasos de agua, mezcal, tequila, pulque o atole, cigarros e incluso juguetes para las almas de los niños. Todo esto se coloca junto a retratos de los difuntos rodeados de veladoras.

Altar de Muertos

El Altar de Muertos es una parte fundamental de la celebración del día de muertos en México, que representa una de las principales tradiciones de la cultura popular mexicana y tal vez una de las más conocidas en el mundo. Actualmente está protegida por la UNESCO como patrimonio de la humanidad.
Aunque dicha celebración se practica en diversas partes del mundo, en México, debido a la fusión de las culturas prehispánicas con el mundo occidental, se dio una nueva cosmovisión de fuertes implicaciones estéticas y culturales que han trascendido al acto mismo.
Esta celebración tiene su origen en el mundo prehispánico como una festividad de las cosechas del otoño, donde se celebraba la abundancia de los dones de la tierra; con la llegada de los españoles y la fusión de tradiciones con la liturgia católica, la fiesta de Todos los Santos del 1° de noviembre se convierte en día de duelo por los niños muertos, dado que se les llama "angelitos" por su inocencia y se da por hecho que su ingreso al paraíso es inmediato... pero se llora la pérdida; mientras que la memoria de los Fieles Difuntos del 2 de noviembre prácticamente es una fiesta, ya que ese día esperan la visita de los adultos fallecidos, quienes tendrían permiso para visitar a sus familias atraídos por el altar. Originalmente, la fiesta es el día primero, por las personas de cualquier edad que ya alcanzaron la gloria sin que sepamos sus nombres; el día de meditación y sobriedad es el 2 de noviembre, por las personas que todavía podrían estar padeciendo su purgatorio.
La celebración sincrética cuenta con múltiples expresiones, que varían de región en región, destacando las de Pátzcuaro, Michoacán, el Festival de Xantolo en el norte de Veracruz, y Míxquic (que en lengua náhuatl significa el lugar de los muertos) en el Distrito Federal, donde al igual que en casi todo el país, la gente asiste a los cementerios a limpiar las tumbas, llevar flores, rezar y platicar con los difuntos.
Sin embargo, la más arraigada de las tradiciones es aquella que consiste en instalar altares domésticos donde son honrados los muertos de la familia, recreando sus gustos y placeres disfrutados en vida. La característica que hace única a esta tradición es la certeza de que los muertos realmente regresan a este mundo a convivir con sus deudos durante un día, departiendo con ellos, consolándolos y confortándolos por su pérdida.
Para ello es importante que la casa anfitriona se prepare con una serie de elementos y simbolismos que darán la bienvenida al fallecido, y así mismo facilitarán su viaje desde el más allá.
Estos son algunos de los elementos básicos de los altares en el centro del país, algunas cambian de región en región y hasta en cada familia, según sus creencias, ideología o nivel social. Pero conservando algunas constantes:

El altar
Se coloca en un lugar prominente de la casa. Dependiendo de su tamaño se utiliza una repisa, consola, mesa o inclusive una habitación, ya que hay quiénes lo extienden al piso mismo. consta de siete niveles, que simbolizan los siete escalones del purgatorio por los que debe de pasar el ánima antes de llegar al cielo.
El arco
Consistente en un arco o marco de carrizo adornado con flores que se ubica en la cúspide del altar y que simboliza la puerta de entrada al cielo.
Los niveles
Representan los estratos de la existencia, se hacen con cajas de cartón, huacales (cajas hechas de varas), ladrillos etc., normalmente son tres (el cielo, la tierra y el inframundo) auque existen las variantes de dos (cielo y tierra) o siete (los siete niveles del infierno, el purgatorio y el cielo, según la tradición católica).
Los cuatro elementos
Son las representaciones del viento (papel "de china" picado) el fuego (veladoras) la tierra (los frutos, pan o en otros casos cenizas) y el agua (colocada en un pequeño vaso que es con la que el familiar muerto calma su sed;ademas de otras funciones)
Los retratos
Los retratos de los difuntos que se colocan en la parte más destacada del altar por ser los celebrados, hay quienes acostumbran poner los retratos de espalda y frente a ellos un espejo, para que así el fallecido sólo puedan ver el reflejo de su deudo y viceversa, a fin de recordar que pertenecen a diferentes mundos.
Las ánimas del purgatorio
Se coloca una imagen o cromo de las benditas ánimas del purgatorio, para facilitar la salida del difunto, si se encontrara en el purgatorio por haberse portado mal.
Las cruces
Se acostumbra a colocar una cruz pequeña, de sal, en la base del altar, que representa la pureza de las almas o una cruz de ceniza que le ayudará a salir del purgatorio.
El Agua
El agua es de suma importancia y tiene múltiples significados, un vaso de agua clara y fresca permitirá a los muertos refrescar sus labios después del viaje desde el inframundo, también refleja la pureza de sus almas y el amor que por ellos siente el deudo; es asimismo, el reflejo del ciclo continuo de la regeneración de la vida y la muerte, promesa de fertilidad; también le permite al fallecido limpiar su reflejo al llegar a la casa del convite, por lo que hay quienes acostumbran colocar un pequeño aguamanil o jícara con agua, junto a un jabón y una toalla para el aseo de los muertos.
Las flores
La tradicional flor de cempasúchilt es uno de los elementos más típicos de los altares, además de colocarla en ramos que adornan el recinto, con sus pétalos se delimita el espacio del altar y se hace un camino que indicará la ruta a los muertos. En el norte, esa flor se usa para el cultivo.En el altar cumple una función muy importante, ya que antes la flor de cempasúchitl era algo sagrado para los mayas.
La Luz
El inframundo es un espacio oscuro y el camino hacia nuestro mundo necesita de una guía, por ello las veladoras y cirios son primordiales y su significado y distribución cuentan con múltiples variantes. Se prefieren las veladoras de color morado (color de luto en la liturgia católica) o blancas. Hay quienes colocan al centro cuatro cirios que indican los cuatro puntos cardinales; también se puede hacer un camino con veladoras o delimitar el altar con ellas. Se acostumbra asimismo poner una veladora frente a los retratos, una por cada difunto; al encenderlas se susurra su nombre, lo que invoca su presencia. También se acostumbra colocar candeleros con velas moradas; una tradición indica que siempre se coloquen las veladoras en número par.
Las calaveras
Colocar las coloridas calaveras de azúcar con adornos de colores, de fuerte influencia barroca, representando a los vivos, recuerda de forma festiva lo irremediable de la muerte. los niños acostumbran “pedir calaverita” cantando versos a cambio de monedas para comprar una calavera con su nombre, que se coloca en el altar y al término del festejo se come; hay quiénes colocan tres grandes calaveras que representan la santísima trinidad.
Algunos versos para pedir calavera dicen:

Ya murió la cucaracha
Ya la llevan a enterrar
Entre cuatro zopilotes
Y un ratón de sacristán.

Calavera vete al monte.
-No señora, porque espanto.
Pues, ¿A dónde quieres irte?
-Yo, señora, al camposanto.

El pan
El pan representa no sólo la generosidad del anfitrión, sino la generosidad de la tierra misma; existen múltiples variantes para su elaboración, como los panes en forma de “muertitos” de Pátzcuaro o aquellos de la selva potosina; en el valle central se acostumbra el pan de anís en forma de domo, redondo con adornos en forma de huesos, espolvoreado de azúcar.Aunque lo mas importante de eso es que el pan viene del trigo y para nosotros los mexicanos resulta algo muy importante ya que esta hecho de mirra la mirra que llevaron los tres reyes magos a jesus.
El trago
Muchas personas acostumbran colocar un caballito de tequila, un vaso de pulque, una copa de mezcal o la bebida alcohólica del gusto del difunto, que le indica al muerto que hay una celebración en su honor.
El copal
Un pequeño brasero con copal purifica el ambiente para recibir a los fallecidos, hay quienes lo sustituyen por incienso.
El convite
Colocar la comida que era del agrado de los fallecidos es una de las costumbres más íntimas y personales de este festejo, las mujeres cocinan desde días antes los platillos de su preferencia: tamales, mole, arroz, calabaza en tacha, etc. La comida no será únicamente para el alma visitante, sino además para los deudos, quienes departirán con ella. Se acostumbra preparar los platillos con especial alegría y más condimentados que lo normal, para que los muertos puedan disfrutar de su esencia. La comida se coloca en el segundo nivel del altar (el de la tierra).
Los recuerdos
También se acostumbra colocar en el altar prendas de vestir, artículos personales e instrumentos de trabajo propiedad de los difuntos, así como, sus lecturas preferidas, música, cigarros (sí fumaba) y todo aquello que amaban y acostumbraban en vida.
Los adornos
El arte popular mexicano produce una interminable colección de adornos relacionados con la festividad de muertos. Hermosas miniaturas con cuadros de entierros, velorios o cementerios, o representando escenas de la vida cotidiana con esqueletos como personajes realizados en cartonería, barro o yeso, son típicos de la ciudad de México, así mismo las figuras de alfeñique (piezas realizadas con azúcar, huevo, miel de maíz, almendras, etc.) realizadas por maestros artesanos del valle de Toluca y otras regiones del país (en realidad las calaveras de azúcar son piezas de alfeñique). Aunque también se acostumbran hacer figuras de ánimas y difuntos, hay hermosos arreglos frutales o florales de este material. Hay adornos realizados en madera, como los esqueletos articulados. También se utilizan reproducciones de las célebres calaveras del Maestro José Guadalupe Posada.
Desgraciadamente, muchos de estos adornos se confunden y se ven desplazados por los de la celebración anglosajona del Halloween.
El Festejo
Comienza cuando una persona de la casa (normalmente la madre) enciende las velas del altar susurrando los nombres de los difuntos, se reza pidiendo el favor de Dios para que lleguen con bien, los familiares se sientan a la mesa (comúnmente frente al altar) y comparten la comida preparada para el festín (aunque no se come el colocado a los muertos, por supuesto), se escucha la música que les agradaba, se les platica sobre las novedades de la familia, se recuerdan anécdotas de su paso por este mundo y se les pide su intercesión ante Dios para obtener algún milagro y consuelo para soportar los problemas cotidianos.
Se trata de un festejo en el que se celebra un reencuentro, que aunque breve es feliz, con la promesa de alcanzarlos en el más allá, llegado el momento.
En la noche se apagan las veladoras y se despiden de los difuntos, deseándoles buen viaje de regreso al más allá y pidiéndoles que retornen el próximo año.
Se retira el altar al día siguiente, y aunque muchas personas consumen los alimentos de la ofrenda, coinciden en decir que no saben igual, ya que los muertos consumieron la esencia y el sabor.

Información obtenida de la Wikipedia

Presentación Sára Sadková

2007-10-17T15:09:00.001-05:00

Aqui les muestro algo del trabajo de Sára Sadková para que puedan admirarlo. Si quieren ver más entren a su página aquí esta el link.

http://www.saudek.com/en/sara/uvod.html

Se las recomiendo mucho, tiene muchos más trabajos, y varios desnudos muy artísticos, pero no los muestro aquí para no violar los terminos de Google.

Disfrutenlo

¿Qué es el arte?

2007-10-05T11:30:00.000-05:00

¿QUÉ ES EL ARTE?
Por León Tolstoi
Procuremos examinar a nuestra vez esta famosa concepción de la belleza artística.
Desde el punto de vista subjetivo, lo que llamamos belleza es incontestablemente todo lo que nos produce un placer de determinada especie. Mirándolo desde el punto de vista objetivo, damos el nombre de belleza a cierta perfección; pero claro es que lo hacemos porque esa perfección nos produce cierto placer, de modo que nuestra definición objetiva no es más que una nueva forma de la definición subjetiva. En realidad, toda noción de belleza se reduce para nosotros a la recepción de determinada dosis de placer.
Teniendo esto en cuenta, sería natural que la estética renunciara a la definición del arte fundado sobre la belleza, y que buscara otro más general, pudiendo aplicarse a todas las producciones artísticas y permitiendo distinguir lo que depende o no del dominio de las artes. Pero ninguna definición parecida se ha formado aún, conforme puede haber visto el lector. Todas las tentativas hechas para definir la belleza absoluta, o no definen nada o sólo definen algunos rasgos de ciertas producciones artísticas, y no se extienden a todo cuanto se considera y se ha considerado como formando parte del dominio artístico.
No hay una sola definición objetiva de la belleza. Las que existen, así metafísicas como experimentales, llegan todas a la misma definición subjetiva, que quiere que el arte sea lo que exterioriza la belleza, y que ésta sea lo que gusta, sin excitar el deseo. Muchos tratadistas de estética comprenden la insuficiencia de tal definición, y para darle una base sólida, han estudiado los orígenes del placer artístico. Han convertido así la cuestión de la belleza en cuestión de gusto. Pero esto les resulta tan fácil de definir como la belleza, pues no hay ni puede haber explicación completa y seria de lo que hace que una cosa guste a un hombre y disguste a otro, o viceversa. De esta manera la estética, desde su fundación hasta nuestros días, no ha conseguido definir las cualidades y las leyes del arte, ni lo bello, ni la naturaleza del gusto. Toda la famosa ciencia estética consiste en reconocer como artísticas algunas obras por la sencilla razón de que nos gustan, y en combinar luego toda una teoría de arte que pueda adaptarse a todas esas obras. Se da por bueno un canon de arte, según el cual se reputan obras artísticas aquellas que tienen la dicha de gustar a ciertas clases sociales, las de Fidias, Rafael, Ticiano, Bach, Beethoven, Sófocles, Homero, Dante, Shakespeare, Goethe, etc.; y a consecuencia de ello, las leyes de la estética deben componérselas de tal modo, que abarquen la totalidad de esas obras.

Un tratadista alemán de estética, de quien leí hace poco un libro, Fólgeldt, discutiendo los problemas del arte y de moral, afirmaba que era locura querer buscar moral en el arte. ¿Sabéis en que fundaba su argumentación? En que si el arte debía ser moral, ni Romeo y Julieta de Shakespeare, ni el Wilhelm Meister de Goethe, serían obras de arte; y no pudiendo dejar de ser esos libros obras de arte, toda la teoría de la moralidad en el arte se derrumbaba. Fólgeldt buscaba una definición de arte que pudiera comprender esas dos obras y esto lo conducía a proponer, como fundamento del arte, la "significación".
Sobre este plan están edificadas todas las estéticas existentes. En vez de dar una definición del arte verdadero y decidir luego lo que es o no es buen arte, se citan a priori, como obras de arte, cierto número de obras que, por determinadas razones, gustan a una parte del público, y después se inventa una definición de arte que pueda comprender todas estas obras. Así el estético alemán Múther, en su "Historia del arte del siglo XIX", no sólo no condena las tendencias de los prerrafaelistas, decadentes y simbolistas, sino que trabaja para ensanchar su definición de arte, de modo que pueda comprender están nuevas tendencias. Sea cual fuera la nueva insania que aparezca en el arte, en cuento la adoptan las clases superiores de nuestra sociedad, se inventa una teoría para explicarla y sancionarla, como si nunca algunos grupos sociales hubieran tomado por arte verdadero lo que era arte falso, deforme, vacío de sentido, y que no dejo huellas ni discípulos en pos de sí.
La teoría del arte fundado sobre la belleza, tal como nos la expone la estética, no es, en suma, otra cosa que la inclusión en la categoría de cosas "buenas" de una cosa que nos agradó o nos agrada aún.
Para definir una forma particular de la actividad humana, precisa antes de comprender el sentido y el alcance de ella. Para conseguirlo, es necesario examinar tal actividad en sí misma, luego en sus relaciones con sus causas y efectos, y no sólo desde el punto de vista del placer personal que pueda hacernos sentir.
Si decimos que el fin de cierta forma de actividad consiste en nuestro placer y definimos esta actividad por el placer que nos proporciona, tal definición será forzosamente inexacta. Esto es lo que ha ocurrido cada vez que se trató de definir el arte. Por lo que hace a la alimentación, a nadie se le ocurriría afirmar que su importancia se mide por la suma de placer que nos procura. Todos comprendemos y estimamos que no puede admitirse eso, y que no tenemos, por lo tanto, el derecho de decir que la pimienta de la Guayana, el queso de Límberg, el alcohol, etc., a los que estamos acostumbrados, y que nos gustan, forman la mejor de las alimentaciones.
Así ocurre con el arte. La belleza, o lo que nos gusta, no puede servirnos de base para una definición del arte, ni los muchos objetos que nos producen placer han de considerarse como modelo de lo que debe ser el arte. Buscar el objeto y el fin del arte en el placer que nos producen, es imaginar, como los salvajes, que el objeto y el fin de la alimentación están en el placer que nos producen.
El placer en ambos casos sólo es un elemento accesorio. Así como no se llega a conocer el verdadero objeto de la alimentación, que es el mantenimiento del cuerpo, si no se deja de buscar ese objeto en el placer de la comida, de igual modo no se comprende la verdadera significación del arte hasta que se deja de buscar su objeto en la belleza, es decir, en el placer. Y así como averiguar como un hombre prefiere los frutos y otro la carne, no nos ayuda a descubrir lo que es útil y esencial en la alimentación, tampoco el estudio de las cuestiones de gusto en el arte, no sólo no nos hace comprender la forma particular de la actividad humana que llamamos arte, sino que nos hace, por lo contrario, de todo punto imposible dicha comprensión.

A la pregunta: ¿Qué es el arte? Hemos dado contestaciones múltiples, sacadas de diversas obras de estética. Todas estas contestaciones o casi todas, que se contradicen en los demás puntos, están de acuerdo para proclamar que el fin del arte es la belleza, que ésta se conoce por el placer que produce, y que el placer, a su vez, es una cosa importante por el solo hecho de ser un placer. Resulta de esto que las innumerables definiciones del arte no son tales definiciones, sino simples tentativas para justificar el arte existente. Por extraño que pueda parecer, a pesar de las montañas de libros escritos acerca del arte, no se ha dado de éste ninguna definición verdadera. Estriba la razón de esto en que siempre se ha fundado la concepción del arte sobre la de la belleza.
Cometido del arte
¿Qué es pues, el arte, considerado fuera de esa concepción de la belleza que sólo sirve para embrollar inútilmente el problema? Las únicas definiciones del arte que intentan liberarse de la concepción de la belleza son las siguientes: 1) según Schiller, Darwin y Spencer, el arte es una actividad que tienen los animales y que resulta del instinto sexual y de los juegos; 2) según Varón, el arte es la manifestación externa de emociones internas, producida por medio de líneas, de colores, de movimientos, de sonidos o de palabras; 3) según Sully, el arte es la producción de un objeto permanente o de una acción pasajera, propias para procurar a su productor un goce activo y hacer nacer una impresión agradable en cierto número de espectadores o de oyentes, dejando aparte toda consideración de utilidad práctica.
Aunque superiores a las definiciones metafísicas que fundan el arte sobre la belleza, estas tres definiciones tampoco son exactas.
La primera es inexacta porque, en vez de ocuparse de la actividad artística propiamente dicha, sólo trata de los orígenes de esta actividad.
(...) La definición de Varón, según la cual el arte expresa las emociones, es inexacta, porque un hombre puede expresar sus emociones por medios de líneas, de sonidos, de colores o de palabras, sin que su expresión obre sobre otros; y en tal caso, no sería nunca una expresión artística.
La de Sully es inexacta porque se extiende desde los ejercicios acrobáticos del arte, mientras hay, por lo contrario, productos que pueden ser arte sin dar sensaciones agradables a su productor ni al público: así ocurre con las escenas patéticas o dolorosas de un poema o de un drama.
La inexactitud de todas estas afirmaciones proceden de que todas, sin excepción, lo mismo que las metafísicas, cuidan sólo del placer que el arte pueda producir, y no del papel que puede y debe desempeñar en la vida del hombre y de la humanidad.
Para dar una definición correcta del arte es pues necesario, ante todo, cesar de ver en él un material de placer, y considerarle como una de las condiciones de la vida humana. Si se considera así, se advierte que el arte es uno de los medios de comunicación entre los hombres.
Toda obra de arte pone en relación al hombre a quien se dirige con el que la produjo, y con todos los hombres que simultánea, anterior o posteriormente, reciben la impresión de ella. La palabra que trasmite los pensamientos de los hombres es un lazo de unión entre ellos; lo mismo le ocurre al arte. Lo que lo distingue de la palabra es que ésta sirve al hombre para transmitir a otros sus pensamientos, mientras que, por medio del arte, sólo le trasmite sus sentimientos y emociones. La transmisión se opera del modo siguiente:
Un hombre cualquiera es capaz de experimentar todos los sentimientos humanos, aunque no sea capaz de expresarlos todos. Pero basta que otro hombre los exprese ante él para que enseguida los examine él mismo, aún cuando no los haya experimentado jamás.
Para tomar el ejemplo más sencillo, si un hombre ríe, el hombre que le escucha reír se siente alegre; si un hombre llora, el que le ve llorar se entristece. Si un hombre se irrita o excita, otro hombre, el que le ve, cae en un estado análogo. Por sus movimientos o por el sonido de su voz expresa un hombre su valor, su resignación, su tristeza, y estos sentimientos se transmiten a los que le ven y le oyen. Un hombre expresa sus padecimientos por medio de suspiros y sonidos y su dolor se trasmite a los que le escuchan. Lo propio ocurre con otros mil sentimientos.
Sobre esta actitud del hombre de experimentar los sentimientos que experimenta el otro, está fundada la forma de actividad que se llama arte. Pero el arte propiamente dicho no empieza hasta que experimenta una emoción y quiere comunicarla a otros, y recurre para ello a signos exteriores. Tomemos un ejemplo bien sencillo. Un niño ha tenido miedo al encontrase con un lobo y explica su encuentro; y para evocar a sus oyentes la emoción que ha experimentado les describe los objetos que le rodean: la selva, el estado de descuido en que se halla su espíritu, luego la aparición del lobo, sus movimientos, la distancia que les separa, etc. Todo esto es arte si el niño, contando su aventura, pasa de nuevo por los sentimiento que experimentó, y si sus oyentes, subyugados por el sonido de su voz, sus ademanes y sus imágenes, experimentan sensación análoga. Hasta si el niño no ha visto jamás al lobo, pero tiene miedo de encontrarlo, y deseando comunicar a otros el miedo que ha sentido, inventa el encuentro con un lobo, y lo cuenta de modo que comunique el miedo que sintió, todo esto será también arte. Arte hay en un hombre, si habiendo experimentado miedo o deseo, en realidad o imaginariamente, expone sus sentimientos en la tela o en el mármol, de modo que hace que otros experimenten esos sentimientos. Arte hay si un hombre luego de sentir o creer sentir alegrías, tristeza, desesperación, valor o abatimiento...expresa todo eso por medio de sonidos que permitan a otros sentir lo que él sintió.
Los sentimientos que el artista comunica a otros pueden ser de distinta especie, fuertes o débiles, importantes o insignificantes, buenos o malos; pueden ser de patriotismo, de resignación, de piedad; pueden expresarse por medio de un drama, de una novela, de una pintura, de un baile, de un paisaje, de una fábula. Toda obra que los exprese así, es obra de arte.
Desde que los espectadores o los oyentes experimentan los sentimientos que el autor expresa, hay obra de arte.
Evocar en sí mismo un sentimiento experimentado y comunicado a otros por medio de líneas, colores, imágenes verbales, tal es el objeto propio del arte. Esta es una forma de la actividad humana que consiste en trasmitir a otro los sentimientos de un hombre, consiente y voluntariamente por medio de ciertos signos exteriores. Los metafísicos se engañan viendo en el arte la manifestación de una idea misteriosa de la Belleza o de Dios; el arte tampoco es, como pretenden los tratadistas de estética fisiólogos, un juego en el que el hombre gasta su exceso de energía; tampoco es la expresión de las emociones humanas por signos exteriores; no es tampoco una producción de objetos agradables; menos aún es un placer: es un medio de fraternidad entre los hombres que les une en un mismo sentimiento y, por lo tanto, es indispensable para la vida de la humanidad y para su progreso en el camino de la dicha.
Así como merced a nuestra facultad de expresar los pensamientos por palabras, cada hombre puede saber lo que antes a él le ocurrió en el dominio del pensamiento, y puede también en el tiempo participar de la actividad de los otros hombres y trasmitir a sus contemporáneos y descendientes los pensamientos que recogió y los que él mismo ha producido, así también, merced a nuestra facultad de poder trasmitir nuestros sentimientos a los demás por medio del arte, todos los sentimientos experimentados junto a nosotros pueden sernos asequibles, así como los sentimientos experimentados cien años antes de nosotros.
Si no tuviéramos la capacidad de conocer los pensamientos concebidos por los hombres que nos precedieron y de trasmitir a otros nuestros propios pensamientos, seríamos como animales salvajes o como Gaspar Hauser, el huérfano de Nuremberga, que, criado en la soledad, tenía a los diez y seis años la inteligencia de un niño. Si no tuviéramos la capacidad de conmovernos con los sentimientos ajenos por medio del arte, seríamos casi más salvajes aún, estaríamos separados uno de otro, nos mostraríamos hostiles a nuestros semejantes. De ahí resulta que el arte es una cosa de las más importante, tan importante como el mismo lenguaje.
Se nos ha acostumbrado a no comprender bajo el nombre de arte más que lo que oímos y vemos en teatros, conciertos y exposiciones, o lo que leemos en los poemas y novelas. Pero esto no es más que una parte ínfima del arte verdadero, por medio del cual trasmitimos a otros nuestra vida interna, o recogemos la vida interna de otros. Toda la existencia humana está llena de obras de arte, desde las canciones que se cantan a los niños para dormirlos, hasta las ceremonias religiosas y públicas. Todo es igualmente arte.
Así como la palabra no obra solamente sobre nosotros en los discursos y los libros, sino también en las conversaciones familiares, así también el arte en el amplio sentido de la palabra impregna nuestra vida eterna, y lo que se llama arte en sentido restringido está lejos de ser el conjunto del arte verdadero.
Durante largos siglos, la humanidad sólo se fijó en una porción de esa enorme y diversa actividad artística: en la porción de obras de arte que tenían por objeto la transmisión del sentimiento religioso. Los hombres negaron importancia a todas las formas de arte que no eran religiosas, a las canciones, a los bailes, cuentos de hadas, etc.; y únicamente por azar los grandes maestros de la humanidad censuraron ciertas manifestaciones de este arte profano, cuando se les antojaban opuestas a las concepciones religiosas de su tiempo.
Así los sabios antiguos, Sócrates, Platón, Aristóteles, entendieron el arte, y así lo entendieron los profetas hebreos y los primeros cristianos, así lo entendieron todavía los islamitas, así lo entiende el pueblo en nuestras campiñas rusas. Recuérdese que maestros de la humanidad, Platón por ejemplo, y naciones enteras como los mahometanos y budistas han negado a las artes el derecho de existir.
Sin duda esos hombres y esas naciones tenían culpa condenando a las artes, que era querer suprimir una cosa que no puede suprimirse, uno de los medios de comunicación más indispensables entre los hombres. Su error era, sin embargo, menor que el que cometen ahora los europeos civilizados favoreciendo las artes con tal que produzcan la belleza, es decir, con tal que procuren placer. Antes se temía que entre las diversas obras de arte hubiera algunas que pudiesen corromper a los hombres, y por impedir su acción deletérea se condenaba al arte; pero hoy el temor de privarse de un placer nimio basta para hacernos favorecer todas las artes, a riesgo de admitir algunas extremadamente peligrosas. Error mucho más grosero que el otro y que produce consecuencias mucho más desastrosas. (*)

(*) Fuente: León Tolstoi, ¿Qué es el arte?, antigua edición perteneciente a una colección privada que se halla actualmente en la Biblioteca del Maestro de la Ciudad de Buenos Aires.

Sor Juana Inés de la Cruz, dramaturga

2007-10-03T12:24:00.000-05:00

Guillermo Schmidhuber de la MoraUniversidad de Guadalajara
Sor Juana Inés de la Cruz, dramaturga
En el pendular de la apreciación crítica, sor Juana ha recibido loas a su poesía y a su lucha de mujer pensante, mas sin embargo, poca atención se ha prestado a su obra dramática y a su prosa religiosa. Hoy, sor Juana es primeramente una mujer, por lo que su biografía es citada prolija y abundantemente; luego es una poeta a la que se le han dedicado en el siglo XX una larga lista de estudios críticos; y también una monja, especialmente para ejemplificar su búsqueda de la libertad creativa en el convento y para describir su muerte mientras servía a sus hermanas en religión durante una epidemia. Sin embargo, para definir su personalidad poco se recurre a su condición de dramaturga, a pesar de lo mucho que la obra dramática de Sor Juana puede aportar a su mejor conocimiento.
El corpus dramático sorjuanino es más copioso de lo que parecen apuntar algunos estudios críticos, por eso es esclarecedor citar, a riesgo de caer en lo prolijo, que la autora escribió más líneas de teatro que de poesía. Lee A. Daniel ha tenido el tino y la paciencia de contar las líneas de ambas producciones. Según su estimación, las 20,350 líneas de drama están balanceadas con 22,250 líneas de poesía ("The Loa" 43); sin embargo, este conteo fue llevado a cabo antes del descubrimiento de La segunda Celestina, una obra en colaboración de sor Juana con Agustín de Salazar y Torres, que se consideraba perdida y que localicé en 1989; esta comedia aporta cuando menos mil líneas sorjuaninas; además, sin incorporar los villancicos sorjuaninos que no son considerados por Daniel como pertenecientes al género dramático. Por lo que concluimos que, al menos en lo cuantitativo, sor Juana fue más dramaturga que poeta. Un conteo de las obras sorjuaninas de índole dramático apunta el número de cincuenta y dos, incluyendo tanto las originales, como las escritas en colaboración y los villancicos atribuibles en que se ha probado su autoría a pesar de haber sido publicados anónimamente (1). En conclusión, en un deslinde de géneros, la obra total de sor Juana posee dos polos mayores: dramaturgia y poesía, y uno de menor cuantía, prosa.
Ni en el México colonial, ni en la España de los siglos de oro, había el antecedente de una monja que escribiera comedias con tanta sapiencia y calidad, por lo que es factible que sor Juana encontrara incomprensiones de algunos de los núcleos de opinión, ya que las actividades de las mujeres en religión estaban perfectamente reglamentadas, y entre las aceptables no estaba incluida la escritura de comedias. Para comprender las reglamentaciones a que sor Juana debió ajustarse en su vida monacal, es conveniente comentar sobre los principios ascéticos de la época, especialmente los escritos por su confesor de muchos años, el jesuita Antonio Núñez de Miranda. Para conocer el pensamiento moral del confesor de sor Juana, conviene hacer mención de varios de sus múltiples libros piadosos. En alguno hace referencia específica de la incompatibilidad de la disciplina conventual con la escritura de comedias y villancicos. En la Cartilla de la doctrina religiosa... para las niñas que se crían para monjas, y desean serlo con toda perfección se reglamenta la dramaturgia en el convento. Este libro está escrito a manera de un diálogo entre una monja y su confesor:
Núm. 153. Padre, ¿y en oír músicas, ver comedias y bailes deshonestos, hay quebrantos del voto?
—Deleitándose, señora, en sus obscenidades o deseándolas como dije que raro contingit, sí señora, pero si es por recreación y cesando el escándalo, es muy probable que no. (45)
Así que la recreación conventual era permitida, pero en cuanto ésta sobrepasaba los muros del claustro, había culpa mortal inexcusable:
Núm. 155. Padre, ¿y en quitarse el hábito de las Monjas para hacer alguna comedia u otro festejo así, en una cuelga de una abadesa o en unas carnestolendas, hay materia de pecado?
—Señora del mismo modo respondo, que si es dentro del convento recreationes causa, no hay culpa, pero si es delante de los seglares, hay culpa mortal. (46)
Como tres de las comedias de sor Juana fueron representadas públicamente durante su vida, este texto la acusa de pecado mortal: La segunda Celestina se representó en 1679 (María y Campo 98), Los empeños de una casa, el 4 de octubre de 1683 (Salceda 4: xviii), y Amor es más laberinto, el 11 de enero de 1689 (Salceda 4: xxii). La gravedad en que incurrió sor Juana en escribir y representar las comedias seculares es agrandada por el atrevimiento de publicarlas, lo que en opinión de Dorothy Schons debió haber sido considerado un "crimen" por el arzobispo Aguiar y Seijas, quien aborrecía el teatro y no permitió llevar a la imprenta comedias durante su periodo pastoral ("Some obscure points" 154). Paralelamente la probidad moral de los villancicos es negada en la Cartilla del padre Núñez:
Núm. 311. Pues Padre, yo he oído decir a hombres doctos que lo que se prohibe es cantar cosas indecentes, pero ¿letras sagradas no se pueden cantar?
—Señora, lo que yo sé es que letras por sí están prohibidas, lo que he leído y puede leer [cita a Inocencio XII] es que su santidad manda que en las misas cantadas, vísperas y maitines, nada se puede cantar fuera de oficio porque es pervertir el orden de nuestra madre la Iglesia que en materia de ritos, ella sólo puede hacer resolución decisiva. (82)
Consecuentemente, los veintidós villancicos de sor Juana eran una perversión litúrgica, a pesar de que constituyen, sin lugar a duda, la máxima expresión literaria de la religiosidad de esta autora.
¿Qué obras pudo conocer sor Juana? Las crónicas de la época conservan información fraccionada de las siguientes obras dramáticas representadas durante el periodo de la vida de sor Juana; de unas pocas se conserva el título y/o el nombre del autor, de otras sólo el hecho de la representación en Palacio, sin información de la obra o el autor. Las fuentes principales son dos diarios de la época, el de Gregorio Marín de Guijo, que comprende los años 1648 a 1664, y el de Antonio de Robles, que abarca de 1665 a 1703. En general son comedias de dramaturgos novohispánicos o de autores españoles con su estreno mexicano muy cercano al peninsular:
Virreinato del duque de Alburquerque 1653-1660 (7 años, cuatro obras)
1656 (2 p.m. domingo 6 de febrero) Comedia representada por los estudiantes de la Universidad, como parte de los festejos de la Dedicación de la Catedral (Usigli, 45).
1658 (Jueves 28 de noviembre) Comedia y sarao en palacio. Celebración del primer año de vida del príncipe Felipe Próspero (muerto en 1661), hijo de Felipe IV y Mariana de Austria (Guijo 1: 415).
1659 Una comedia en la fiesta de Corpus Christi: "El gentil hombre de Dios" de Luis de Sandoval y Zapata (María y Campos 95).
1660 Fiesta de Corpus con comedia en los portales de la casa del Cabildo (Guijo 1: 442).
Virreinato del conde de Baños 1660-1664 (4 años, dos representaciones)
1662 (25 de mayo) En palacio. Comedia en celebración de los años de la condesa de Baños, actuaron los criados y criadas de los virreyes (Guijo 482).
---. (Domingo 11 de Junio) Comedia representada en la tarde en el patio de Palacio, para la virreina y sus criados, y luego en el cementerio de la Catedral (Guijo 484).
Virreinato del marqués de Mancera 1664-1673 (9 años, siete representaciones)
1665 "A fines de este año vino un arlenquín volatín diestrísimo, llamado Francisco de Morales, que dijeron ser de las islas canarias" (Robles 2: 13).
1667 (2 de febrero) Una loa del bachiller y presbítero Antonio Medina Solís, en el cerro de Tepeyac, en la solemne colocación de la Imagen en la nueva ermita (Beristáin 2: 233).
1670 (Jueves 6 de noviembre, ocho de la noche) Años del rey. "Máscara de tres cuadrillas de diferentes galas cada una, y dos lacayos cada caballero, con hachas... andubo por la plaza donde había muchas luminarias y muchísima gente en los tablados" (Robles 2: 96).
1671 (12 de marzo) Dos comedias por la beatificación de Santa Rosa de Lima (Robles 2: 104).
1672 (Domingo 7 de febrero) Por la canonización de san Franciso de Borja Máscara (Robles 2: 122) y el domingo 14 otra máscara de estudiantes de la Universidad, "salieron más de cuatrocientos enmascarados y muy lucidos carros" (Robles 2: 123).
Virreinato de Fray Payo Enriquez de Ribera 1673-1680
(7 años, 8 representaciones)
1675 (Domingo 27 de enero) Los estudiantes de la real Universidad "representaron una comedia y máscara ridícula" en la fiesta de la Purísima Concepción (Robles 2: 173).
---. (Lunes 4 de febrero) "Este día se subió la compañía de los comediantes al coliseo" (Robles 2: 175), posiblemente fue El lindo don Diego de Agustín Moreto (Schons, "Notas").
---. (Miércoles 6 de febrero) "Salió máscara ridícula con dos carros y como cincuenta personas" (Robles 175).
---. (Miércoles 6 de noviembre) Comedia en palacio para celebrar los catorce años del futuro rey Carlos II, "duró hasta las doce de la noche" (Robles 2: 204).
1676 Máscaras el 25 de noviembre y el 26, y el 8 y el 9 de diciembre (Robles 2: 225).
1677 (9 de agosto) Comedia El gran cardenal de España Fr. Francisco Ximénez de Cisneros [de Juan Bautista Diamante y Pedro Francisco Lanini y Sagredo](2), por la beatificación de Francisco Solano y doce mártires, en la portería de la Catedral (Robles 2: 241).
1678 (Domingo 6 de noviembre) No puede ser, de Moreto, en Palacio por el cumpleaños del rey (Robles 2: 275-76).
1677, 1678 y 1679 En el Coliseo las comedias de Salazar y Torres: Elegir el enemigo, Los juegos olímpicos y El encanto es la hermosura, y El hechizo sin hechizo (María y Campos 98).
1679 (6 de noviembre) Los empeños de un acaso, de Calderón (Hesse, "Calderón" 15). Cumpleaños del rey celebrado en palacio (Robles 2: 291).
Virreinato del conde de Paredes y marqués de la Laguna 1680-1686
(6 años, 5 representaciones)
1680 (17 de diciembre) presentación de un auto mariano de Calderón [La hidalga del valle, según María y Campos, 99] en la Universidad, en la Sala de los Actos Literarios.
1683 (Enero, cuatro veces, en las fiestas de la Inmaculada Concepción) Auto mariano "El mayor triunfo de Diana,*" de Alonso Ramírez de Vargas (Sigüenza, Triunfo Parténico 135).
---. (4 de octubre) Comedia en casa de Fernando Deza, con asistencia de los virreyes [Los empeños de una casa, según Salceda (3) (4: xviii)].
1684 (Miércoles 5 de julio) Comedia en palacio por los años del virrey (Robles 2: 403).
---. (4 de octubre) "El pregonero de Dios y patriarca de los pobres," del bachiller Francisco de Acevedo, prohibida posteriormente por el Santo Oficio (María y Campos 99).
Virreinato del conde de la Monclova 1685-1688 (3 años, 1 representación)
1688 (Martes 5 de enero) Comedia en palacio, víspera de los años del virrey (Robles 2: 491).
Virreinato del conde de Galve 1688-1696 (8 años, 7 representación)
1688 (Sábado 4 de diciembre, Robles 2: 507) Loa alusiva a la llegada del virrey conde de Galve, de Alonso Ramírez de Vargas (4) : Ficción histórica y política de un príncipe sobre la fábula de Cadmo (Eguiara 1: 295-296; Beristáin 3: 3).
1689 (Martes 11 de enero) Comedia en palacio en los años del virrey conde de Galve [Amor es más laberinto, según Salceda 4: xxi] (Robles: 3: 6).
---. (Domingo 23 de enero) Loa en palacio al virrey y al conde de la Monclova (Robles: 3: 7).
---. (20 de octubre) 1689 Comedia en palacio a años de la virreina (Robles 3: 24; Abreu 265).
---. (6 de noviembre) Comedia en palacio a los años del rey Carlos II (Robles 3: 25; Abreu 265).
1690 (Miércoles 11 de enero) Sarao a los años del virrey (Robles 3: 30).
1691 (Miércoles 9 mayo) Máscara o desfile por el casamiento del rey, fue organizada ennombre de la Universidad por el duende Fernando Valenzuela (Robles 3: 60).

Los datos de celebraciones novohispánicas desaparecen posteriormente de las crónicas de la época; Rodolfi Usigli conjetura que fue porque las actividades teatrales se concentraron en el nuevo espacio escénico llamado Coliseo, que fue edificado en 1671 (47). ¿Qué obras pudo haber visto Juana Ramírez, o al menos oído comentar, en los años que vivió en la corte? Sabemos que sor Juana dejó el palacio virreinal para ir al convento de las Carmelitas Descalzas el 14 de agosto de 1667, así que podemos conjeturar que asistió junto con los virreyes el 2 de febrero de 1667 a la solemne colocación de la Imagen en la nueva ermita de la virgen de Guadalupe, en el cerro del Tepeyac, donde se representó una loa de Antonio Medina Solís.
La influencia de Calderón en la obra de sor Juana es con mucho la mayor, pero convendría que ésta fuera identificada como proveniente del llamado ciclo calderoniano, porque desconocemos hasta que punto sor Juana fue influida directamente por la lectura o asistencia a la escenificación de alguno de los autos o comedias de Calderón, o si se debió al conocimiento del teatro de los contemporáneos de este dramaturgo español, como Francisco de Rojas Zorrilla y Agustín Moreto (especialmente No puede ser y El lindo don Diego), o al de los dramaturgos calificados de poscalderonianos, especialmente de Agustín de Salazar y Torres (5). La deuda de las comedias sorjuaninas que tiene con las de Moreto no ha sido hasta hoy suficientemente apuntada, especialmente en cuanto a la concepción del gracioso sorjuanino; de este dramaturgo madrileño sor Juana acaso leyó una copia manuscrita o algunas de sus primeras ediciones que aparecieron en la segunda mitad del siglo XVII. Los nombres de los graciosos de Moreto parecen haber inspirado a los de sor Juana: el gracioso de La traición vengada, de Moreto, se llama Castaño, igual al gracioso de Los empeños de una casa; además, en El parecido en la corte, de Moreto, Tacón es tocayo del gracioso de La segunda Celestina.
¿Qué obras dramáticas leería sor Juana? Sus citas de dramaturgos pertenecientes al mundo antiguo son parcas (6). Baco es mencionado al inicio de Primero Sueño pero sin mención con el teatro (1: 336). De los trágicos griegos hay mención de Esquilo (1: 110), Sófocles (1: 110); y de entre los comediógrafos sólo cita a Menandro (1: 110). En la Introducción al Neptuno alegórico, hay dos citas de obras de obras dramáticas; una proveniente de Eurípides, según sor Juana de Orestes, pero aquí corrijo ya que es de Ifigenia en Táuride, en donde Orestes es personaje (Neptuno alegórico 4: 364); y otra cita la tragedia de Sófocles, Edipo, en Colono. En el Neptuno alegórico se incluyen dos citas, una de la tragedia Las Traquinias, de Sófocles, y otra de Eurípides, de su tragedia Ifigenia (4: 383). En todas estas citas no son provenientes de los libros originales, sino de comentaristas posteriores. Por el contrario, sí parece haber leído a Ovidio, quien es citado 23 veces, y cuyos textos sirvieron de base temática a El divino Narciso, Amor es más laberinto y Loa en las Huertas. Por su parte, Séneca es mencionado en 13 ocasiones como pensador, pero no como autor dramático. Además, desperdigados en las obras sorjuaninas hay menciones de personajes dramáticos griegos, sin que sepamos si fueron conocidos por la monja en lecturas de las obras dramáticas originales o en las obras épicas y mitológicas: Edipo (1: 174), Medea (1: 10, 60 y 154), Casandra (1: 236), el Cíclope (1: 59) y Creonte (4: 227). De los autores del siglo de oro, los escritos sorjuaninos citan a Calderón de la Barca en tres ocasiones (3: 312, 4: 119 y 136); y en una ocasión los dramaturgos Francisco de Rojas Zorrilla(7) y a Agustín Moreto (4: 119).
Para la definición del concepto sorjuanino del Teatro es necesario recurrir a las piezas mismas —especialmente los autos— porque en ellas se encuentran varias menciones clarificadoras de los criterios autorales de sor Juana, y que por ser originales señalan la teoría dramática de la autora. Un parlamento de El divino Narciso sirve de paradigma de los criterios dramáticos en que sor Juana fundamentaba su dramaturgia:
Desde aquí el curiosomire si concuerdan,verdad y ficción,el sentido y la letra. (1: 33)
El público recibe el epíteto de curioso, de intelectualmente despierto, quien puede juzgar el espectáculo teatral, como crítico incipiente, para comprobar el equilibrio alcanzado entre las variables apuntadas por su autora. Este texto permite identificar cuatro elementos dramáticos a los que sor Juana dio particular consideración en su teatro, verdad versus ficción y sentido versus letra, que podemos conceptualizar como dos polaridades, una cognoscitiva y otra semiótica. Podemos identificar cuatro elementos del teatro sorjuanino:
1) Perspectiva intelectual activa del público fundamentada en la curiosidad.
2) Polaridad cognoscitiva entre la verdad y la ficción.
3) Polaridad semiótica entre el sentido y la letra.
4) Equilibrio dinámico del teatro a base de las polaridades mencionadas.
Así en la primera polaridad, la verdad y la ficción humana deben estar presentes sin que ninguna predomine, no como elementos mutuamente exclusivos, sino como elementos mutuamente subordinados, ya que la ficción sirve de medio para entender la verdad. Alegoría versus Idea. La segunda polaridad entre el sentido y la letra puede ser interpretada en la terminología dramática actual como la efectividad de recepción de la representación en contraposición con el texto dramático. Escenificación versus dramaturgia.
En la loa de El mártir del Sacramento se incluye otro texto significativo para comprender la ilusión escénica. Se niega la posibilidad de lo mágico, sino que insiste en su intención de no querer tener engañado al público con la verosimilitud:

Y es el caso, que yo tengoa mi cargo hacer un auto...(que ni es Mágica, ni quieroteneros más engañadoscon lo que sólo es ingenio). (1: 108-09)
Ambos, dramaturgo y público, ven ficciones nacidas del ingenio de la ficción, que es intrísecamente diferente de la Mágica, ya que son únicamente autos o comedias plenos de ingenio, es decir, de acciones engañosas. Esta ruptura del teatro que simula la realidad es llevada a cabo por personajes que se saben entes teatrales; así la autoconsciencia da paso a la metateatralidad.
Un comentario final. En mayo de 1992 localicé una Protesta de la fe de sor Juana que no está incluida en las ediciones príncipe, ni en ninguna de las ediciones modernas; este texto formó parte de un devocionario titulado Testamento místico cuyo autor es el padre Núñez de Miranda. Para este asceta, los cuatro votos religiosos deben seguir el orden siguiente: pobreza, castidad, obediencia y perpetua clausura. Por el contrario, cuando sor Juana enumera los cuatro votos religiosos en la Protesta recientemente localizada, altera el orden: obediencia, pobreza, castidad y perpetua clausura. El anteponer el voto de obediencia es posiblemente una indicación de la importancia que para ella tuvo el acatar las órdenes de sus superiores. Este es el mismo orden de votos que ella había escrito veinticinco años antes en el Libro de profesiones, el día de su toma de hábito, el 24 de febrero de 1669. Al final de su vida había cambiado enteramente la libertad para sor Juana. En el inicio de su vocación sus mismos superiores le había impulsado a seguir el camino de las letras con su venia y hasta con encargos, como lo fueron en su momento la totalidad las obras dramáticas; sin embargo, al final de su vida el conflicto de obediencia surgió inexorable, porque sus directores espirituales impidieron proseguir por los caminos antes recorridos con tanta libertad. Consecuentemente, el meollo del periodo final de la vida de sor Juana fue la obediencia. Esta Protesta recientemente descubierta está siendo editada por primera vez impresa en tiempos modernos en una edición facsimilar de los tres tomos de obras príncipes de sor Juana, incluyendo la edición de La segunda Celestina. Los editores son Fredo Arias de la Canal, bajo los auspicios del Frente de Afirmación Hispanista, A.C., de ciudad de México.
Al principio de este estudio comenté que sor Juana es hoy, para nosotros, ante todo una mujer, luego una poeta, para al final ser considerada una monja, sin que su condición de dramaturga haya sido tomada como definitoria de su personalidad, acaso porque sus labores de dramaturga fueron la más silenciadas por sus contemporáneos. Los atrevimientos de sor Juana y sus transgresiones a las normas impuestas por la sociedad novohispánica fueron de diferente gravedad. Cuatro son los campos en los que sor Juana impuso una diferente forma de ser mujer: como ser humano exigió su derecho a la educación y a las labores intelectuales; como poeta impuso su libertad de expresar su sensibilidad; como monja declaró su capacidad de mujer pensante para estudiar teología y de hacer compatible su religiosidad con una vida creativa; sin embargo, como dramaturga hizo algo más que una transgresión, el escribir, montar y editar comedias seculares, una de las máximas transgresiones que pudo llevar a cabo una monja enclaustrada. Había antecedentes de mujeres que habían roto con las normas tradicionales de entender su sexo según su sociedad, así como había habido poetas pertenecientes al sexo femenino y de religiosas que escribían poesías, pero no se conocía ningún antecedente de una monja dramaturga de comedias seculares, ni en la sociedad novohispánica ni en ningún otro lugar del reino español. Así que para escribir la biografía moderna de sor Juana y comprender el alcance de su obra, deberíamos incluir junto a sus triunfos como mujer, poeta y monja, también sus logros como dramaturga.

NOTAS
[1] A continuación se enlista el corpus dramático sorjuanino, dividiéndolo en cuatro géneros: Festejos a lo humano o comedias, Festejos a lo sacro, Loas Independientes y Loas de comedia, Villancicos originales y Villancicos atribuibles:
1) Festejos a lo humano: Tres comedias.
a. La segunda Celestina, en colaboración con Agustín de Salazar y Torres.
b. Los empeños de una casa, loa, tres canciones, dos sainetes y un sarao.
c. Amor es más laberinto, en colaboración con Juan de Guevara, con loa.

2) Festejos a lo sacro: Tres autos.
a. El divino Narciso, auto sacramental, con loa.
b. El mártir del sacramento, san Hermenegildo, auto hagiográfico, con loa.
c. El cetro de José, auto bíblico, con loa.

3) Villancicos: 12 originales y 10 atribuibles:
a) Villancicos originales:
Asunción, 1676, catedral de México
Concepción, 1676, catedral de México
San Pedro Nolasco, 1677, ciudad de México
San Pedro, Apóstol, 1677, catedral de México
Asunción, 1679, catedral de México
San Pedro, Apóstol, 1683, catedral de México
Asunción, 1685, catedral de México
Concepción, 1689, catedral de Puebla
Navidad, 1689, catedral de Puebla
San José, 1690, catedral de Puebla
Asunción, 1690, catedral de México
Santa Catarina, 1691, catedral de Antequera (hoy Oaxaca)

b) Villancicos atribuibles: Publicados sin el nombre de la autora, pero que han sido atribuidos a partir de Méndez Plancarte:
Asunción, 1677, catedral de México
Navidad, 1678, catedral de Puebla
San Pedro, Apóstol, 1680, catedral de Puebla
Navidad, 1680, catedral de Puebla
Asunción, 1681, catedral de Puebla
San Pedro, Apóstol, 1684, catedral de Puebla
Asunción, 1686, catedral de México
San Pedro, Apóstol, 1690, catedral de Puebla
San Pedro, Apóstol, 1691, catedral de México
San Pedro, Apóstol, 1692, catedral de México

4) Loas: 18 loas.
a) Las 5 loas pertenecientes a sus obras de tres actos, con excepción de
La segunda Celestina, cuya loa fue compuesta enteramente por Salazar y Torres.
b) Las 13 loas independientes son:
Loa de la Concepción
Loa a los años del Rey [I] [Carlos II]
Loa a los años del Rey [II]
Loa a los años del Rey [III]
Loa a los años del Rey [IV]
Loa a los años del Rey [V]
Loa a los años de la Reina [María Luisa de Borbón]
Loa a los años de la Reina Madre [Mariana de Austria]
Loa a los años del Virrey marqués de la Laguna
Loa en las Huertas a la condesa de Paredes [María Luisa Manrique de Lara, condesa de Paredes y marquesa de la Laguna]
Loa al año que cumplió don José de la Cerda [Primogénito del Virrey marqués de la Laguna]
Encomiástico poema a los años de la condesa de Galve [Elvira de Toledo]
Loa a los años de fray Diego Velázquez de la Cadena.
[2]. El Diario de sucesos notables únicamente apunta: “En la portería hubo comedia del cardenal D. Francisco Jiménez” (2: 241), que yo identifico con la Comedia famosa El gran Cardenal de España Fr. Francisco Ximénez de Cisneros, de un ingenio (Valencia: Joseph y Thomas de Orga, 1777). Barrera y Leirado la adjudica a Juan Bautista Diamante y a Pedro Francisco Lanini y Sagredo (125).
[3]. Salceda conjetura una representación de En esta vida todo es verdad y todo es mentira, de Calderón, junto con la loa a los años del rey [II] de sor Juana, pero las crónicas de la época no registran su representación, “Cronología” 346.
[4]. María y Campos equivoca Alfonso en vez de Alonso Ramírez de Vargas, 98.
[5]. En los villancicos sorjuaninos habría que agregar la influencia de León Marchante, quien fue amigo y colaborador del dramaturgo y presbítero español Diego Calleja, primer biógrafo de la monja.
[6]. Me fue de gran utilidad para elaborar este estudio de citaciones el “Índice de nombres” elaborado por Cristina Ramírez España, quien es descendiente de sor Juana, 4: 699-715.
[7]. La cita hace mención únicamente de “Rojas,” nombre propio que al ser sumado siete líneas más abajo con el de la Celestina, podemos conjeturar que en la mente de la autora también pudo estar el de Fernando de Rojas.

Este texto fue redactado por el maestro Guillermo Schmidhuber de la Mora, profesor de la Universidad de Guadalajara, especialista en dramaturgia y en el estudio de Sor Juana, es un gran dramaturgo, les recomiendo su obra. Actualmente da un taller en la Universidad sobre comoposición dramática y un curso sobre Sor Juana.

La historia de Irena Sendler

2007-10-03T09:54:00.000-05:00

Mientras la figura de Oscar Schindler era aclamada por medio mundo gracias a Steven Spielberg que se inspiró en él para hacer la película que conseguiría siete Oscar en 1993 narrando la vida de este industrial alemán que evitó la muerte de 1.000 judios en los campos de concentración, Irena Sendler seguía siendo una heroína desconocida fuera de Polonia y apenas reconocida en su país por algunos historiadores, ya que los años de oscurantismo comunista habían borrado su hazaña de los libros de historia oficiales. Además ella nunca contó a nadie nada de su vida durante aquellos años.
Sin embargo, en 1999 su historia empezó a conocerse y fue, curiosamente gracias a un grupo de alumnos de un instituto de Kansas y a su trabajo de final de curso sobre los héroes del Holocausto. En su investigación dieron con muy pocas referencias sobre Irena, sólo había un dato sorprendente, había salvado la vida de 2.500 niños
Cómo es posible que apenas hubiese información sobre una persona así? Pero la gran sorpresa llegó cuando tras buscar el lugar de la tumba de Irena, descubrieron que no existía porque ella aún vivía, y de hecho todavía vive. Hoy es una anciana de 97 años que reside en un asilo del centro de Varsovia en una habitación donde nunca faltan ramos de flores y tarjetas de agradecimiento procedentes del mundo entero.

Cuando Alemania invadió el país en 1939, Irena era enfermera en el Departamento de Bienestar Social de Varsovia el cual manejaba los comedores comunitarios de la ciudad.

En 1942 los nazis crearon un ghetto en Varsovia e Irena horrorizada por las condiciones en que se vivía allí se unió al Consejo para la Ayuda de Judíos. Consiguió identificaciones de la oficina sanitaria, una de cuyas tareas era la lucha contra las enfermedades contagiosas. Como los alemanes invasores tenían miedo de que se desatara una epidemia de tifus, toleraban que los polacos controlaran el recinto.

Pronto se puso en contacto con familias a las que les ofreció llevar a sus hijos fuera del Gueto.
Pero no les podía dar garantías de éxito. Era un momento horroroso, debía convencer a los padres de que le entregaran sus hijos y ellos le preguntaban: "¿Puedes prometerme que mi niño vivirá?"…… ¿Qué se podía prometer cuándo ni siquiera se sabía si lograrían salir del gueto?

Lo único cierto era que los niños morirían si permanecían en él.

Las madres y las abuelas no querían desprenderse de sus hijos y nietos. Irena las entendía perfectamente, en aquel entonces, ella era madre, y de todo el proceso que ella llevaba a cabo con los niños, el más duro era el momento de la separación. Algunas veces, cuando Irena o sus chicas volvían a visitar a las familias para intentar hacerlas cambiar de opinión, se encontraban con que todos habían sido llevados al tren que los conduciría a los campos de la muerte.
Cada vez que le ocurría algo así, luchaba con más fuerza por salvar a más niños.

Comenzó a sacarlos en ambulancias como víctimas de tifus, pero pronto se valió de todo lo que estaba a su alcance para esconderlos y sacarlos de allí: cestos de basura, cajas de herramientas, cargamentos de mercaderías, sacos de patatas, ataúdes... en sus manos cualquier elemento se transformaba en una vía de escape.Logró reclutar al menos una persona de cada uno de los diez centros del Departamento de Bienestar Social. Con su ayuda, elaboró cientos de documentos falsos con firmas falsificadas dándole identidades temporarias a los niños judíos. Irena vivía los tiempos de la guerra pensando en los tiempos de la paz. Por eso no le alcanzaba con mantener con vida a esos niños. Quería que un día pudieran recuperar sus verdaderos nombres, su identidad, sus historias personales, sus familias. Entonces ideó un archivo en el que registraba los nombres de los niños y sus nuevas identidades. Apuntaba los datos en pedazos pequeños de papel y los enterraba dontro de botes de conserva bajo un manzano en el jardín de su vecino.
Allí aguardó sin que nadie lo sospechase el pasado de 2.500 niños… hasta que los nazis se marcharon.

Pero un día, los nazis supieron de sus actividades. El 20 de octubre de 1943, Irena Sendler fue detenida por la Gestapo y llevada a la prisión de Pawiak donde fue brutalmente torturada.
En un colchón de paja de su celda, encontró una estampa ajada de Jesucristo. La conservó como el resultado de un azar milagroso en aquellos duros momentos de su vida, hasta el año 1979, en que se deshizo de élla y se la obsequió a Juan Pablo II.Irena era la única que sabía los nombres y las direcciones de las familias que albergaban a los niños judíos; soportó la tortura y se rehusó a traicionar a sus colaboradores o a cualquiera de los niños ocultos. Le rompieron los pies y las piernas además de innumerables torturas. Pero nadie pudo romper su voluntad. Así que fue sentenciada a muerte. Una sentencia que nunca se cumplió porque camino del lugar de la ejecución, el soldado que la llevaba la dejó escapar. La resistencia le había sobornado porque no querían que Irena muriese con el secreto de la ubicación de los niños. Oficialmente figuraba en las listas de los ejecutados, así que a partir de entonces, Irena continuó trabajando pero con una identidad falsa.

Al finalizar la guerra, élla misma desenterró los frascos y utilizó las notas para encontrar a los 2.500 niños que colocó con familias adoptivas. Los reunió con sus parientes diseminados por todo Europa, pero la mayoría había perdido a sus familiares en los campos de concentración nazis.

Los niños sólo la conocían por su nombre clave: Jolanta. Pero años más tarde cuando su historia salió en un periódico acompañada de fotos suyas de la época,varias personas empezaron a llamarla para decirla: “Recuerdo tu cara….soy uno de esos niños, te debo mi vida, mi futuro y quisiera verte….”

Irena tiene en su habitación cientos de fotos con algunos de aquellos niños sobrevivientes o con hijos de éllos.

Su padre un médico, que falleció de tifus cuando ella era todavía pequeña, le inculcó lo siguiente:
“Ayuda siempre al que se está ahogando, sin tomar en cuenta su religión o nacionalidad. Ayudar cada día a alguien tiene que ser una necesidad que salga del corazón”

Irena Sendler lleva años encadenada a una silla de ruedas, debido a las lesiones que arrastratras las torturas sufridas por la Gestapo. No se considera una heroína. Nunca se adjudicó crédito alguno por sus acciones. "Podría haber hecho más," dice siempre que se la pregunta sobre el tema. "Este lamento me seguirá hasta el día que muera."

“No se plantan semillas de comida. Se plantan semillas de bondades. Traten de hacer un círculo de bondades, éstas las rodearán y las harán crecer más y más”.
Irena Sendler

Información obtenida de una presentación de power point que llego a mi correo pero no decía quien lo hizo.

Derechos de Autor

2007-10-02T10:52:00.000-05:00

La creación a través de los años ha sido un arduo trabajo para las personas dedicadas a este ámbito. Crear es tarea importante, las más grandes obras perduran aún con el paso del tiempo, y de esta forma han perdurado también los paglios. Fue por ello que se crearon los derechos de autor para proteger a nuestros hijos “nuestras creaciones” Los derechos de autor son una gamma diversa de derechos relacionados con los autores ya sea de obras literarias o artísticas, lo que pretende es proteger los bienes jurídicos de los “autores”. La característica principal de los derechos de autor es que la obra que se desea proteger sea original del interesado. Para los creadores es indispensable conocer sus derechos y proteger sus obras, nunca publiquen ningún contenido propio y original sin usar el copyright (©), es por eso que todo el contenido en este espacio, especifica el autor, para darle crédito por su trabajo. Pero como mencione anteriormente hay que conocer los términos del copyright así que he aquí una breve reseña obtenida del wikipedia http://es.wikipedia.org/
Derechos de autor (Wikipedia)
El derecho de autor (del francés droit d'auteur) es un conjunto de normas y principios que regulan los derechos morales y patrimoniales que la ley concede a los autores (los derechos de autor), por el solo hecho de la creación de una obra literaria, artística o científica, tanto publicada o que todavía no se haya publicado.
En el derecho anglosajón se utiliza la noción de copyright (traducido literalmente como derecho de copia) que, por lo general, comprende la parte patrimonial de los derechos de autor.
Una obra pasa al dominio público cuando los derechos patrimoniales han expirado. Esto sucede habitualmente trascurrido un plazo desde la muerte del autor (post mortem auctoris). Por ejemplo, en el derecho europeo, 70 años desde la muerte del autor. Dicha obra entonces puede ser utilizada en forma libre, respetando los derechos morales

Derecho de autor y Copyright
El derecho de autor y copyright constituyen dos concepciones sobre la propiedad literaria y artística. El primero proviene de la familia del derecho continental, particularmente del derecho francés, mientras que el segundo proviene del derecho anglosajón (o common law).
El derecho de autor se basa en la idea de un derecho personal del autor, fundado en una forma de identidad entre el autor y su creación. El derecho moral está constituido como emanación de la persona del autor: reconoce que la obra es expresión de la persona del autor y así se le protege. La protección del copyright se limita estrictamente a la obra, sin considerar atributos morales del autor en relación con su obra, excepto la paternidad; no lo considera como un autor propiamente tal, pero tiene derechos que determinan las modalidades de utilización de una obra

Antecedentes históricos
Aunque en la antigüedad es posible encontrar incipientes ideas acerca de un derecho sobre las obras intelectuales, no es hasta la aparición de la imprenta, que permitió la distribución y copia masiva de las obras, cuando surge la necesidad de proteger las obras no como objetos materiales, sino como fuentes de propiedad intelectual. Formalmente se sitúa el nacimiento del derecho de autor y del copyright durante el siglo XVIII.
En la Inglaterra del siglo XVIII los editores de obras (los libreros) argumentaban la existencia de un derecho a perpetuidad a controlar la copia de los libros que habían adquirido de los autores. Dicho derecho implicaba que nadie más podía imprimir copias de los obras sobre las cuales tuvieran el copyright (traducido literalmente como derecho de copia).
El Estatuto de la Reina Ana, aprobado por el parlamento inglés en 1710, fue la primera norma sobre copyright de la historia. Esta ley establecía que todas la obras publicadas recibirían un plazo de copyright de 14 años, renovable por una vez si el autor se mantenía con vida (o, sea, un máximo de 28 años de protección). Mientras que todas las obras publicadas antes de 1710 recibirían un plazo único de 21 años a contar de esa fecha. Sin embargo, el dominio público en el derecho anglosajón sólo nació en 1774, tras el caso Donaldson contra Beckett en que se discutió la existencia del copyright a perpetuidad (la Cámara de los Lores resolvió 22 votos a 11 en contra de esa idea).
Estados Unidos incorporó los principios sentados en Inglaterra sobre el copyright. Así la Constitución de 1787, en el artículo I, sección 8, cláusula 8 (la cláusula del progreso) permite establecer en favor de los autores "derechos sobre la propiedad creativa" por tiempo limitado. En 1790, el Congreso de Estados Unidos promulgó la primera Copyright Act (Ley sobre copyright), creando un sistema federal de copyright y protegiéndolo por un plazo de catorce años, renovable por igual término si el autor estaba vivo a su vencimiento (o, sea, un máximo de 28 años de protección). Si no existía renovación, su obra pasaba al dominio público.
Mientras, en Estados Unidos, el copyright se convirtió en un derecho de propiedad comerciable, en Francia y Alemania se desarrolló el derecho de autor, bajo la idea de expresión única del autor. En esa línea, el filósofo alemán Kant decía que "una obra de arte no puede separarse de su autor".
En Francia en 1777, Beaumarchais (autor de la comedia El Barbero de Sevilla) junto a otros dramaturgos, fundó la primera organización para promover el reconocimiento de los derechos de los autores. Pero hubo que esperar al final de la Revolución Francesa para que la Asamblea Nacional aprobara la primera Loi du droit d'auteur (Ley de derecho de autor) en 1791.

Evolución del copyright
En 1790, la obras protegidas por la Copyright Act de Estados Unidos eran sólo los "mapas, cartas de navegación y libros" (no cubría las obras musicales o de arquitectura). Este copyright otorgaba al autor el derecho exclusivo a "publicar" las obras, por lo que sólo se violaba tal derecho si reimprimía la obra sin el permiso de su titular. Además, este derecho no se extendía a las "obras derivadas" (era un derecho exclusivo sobre la obra en particular), por lo que no impedía las traducciones o adaptaciones de dicho texto. Con los años, el titular del copyright obtuvo el derecho exclusivo a controlar cualquier "publicación" de su obra. Sus derechos se extendieron, de la obra en particular, a cualquier "obra derivada" que pudiera surgir en base a la "obra original".
Asimismo, el Congreso de Estados Unidos incrementó en 1831 el plazo inicial del copyright de 14 a 28 años (o sea, se llegó a un máximo de 42 años de protección) y en 1909 extendió el plazo de renovación de 14 a 28 años (obteniéndose un máximo de 56 años de protección). Y, a partir de los años 50, comenzó a extender los plazos existentes en forma habitual (1962, 1976 y 1998).

Campo de aplicación
La protección del derecho de autor abarca únicamente la expresión de un contenido, pero no las ideas. Para su nacimiento no necesita de ninguna formalidad, es decir, no requiere de la inscripción en un registro o el depósito de copias, los derechos de autor nacen con la creación de la obra.
Son objeto de protección las obras originales, del campo literario, artístico y científico, cualquiera que sea su forma de expresión, soporte o medio. Entre otras:
• Libros, folletos y otros escritos;
• Obras dramáticas o dramático-musicales;
• Obras coreográficas y las pantomimas;
• Composiciones musicales con o sin letra;
• Obras musicales y otras grabaciones sonoras;
• Obras cinematográficas y otras obras audiovisuales;
• Obras de dibujo, pintura, arquitectura, escultura, grabado, litografía;
• Obras fotográficas;
• Ilustraciones, mapas, planos, croquis y obras plásticas relativos a la geografía, a la topografía, a la arquitectura o a las ciencias;
• Programas informáticos.
• Entrevistas

Hay varias categorías de materiales que generalmente no son elegibles para la protección de derecho de autor. Éstas incluyen entre otras:
• Trabajos que no han sido fijados en una forma de expresión tangible. Por ejemplo: obras coreográficas que no han sido escritas o grabadas, o discursos improvisados o presentaciones que no han sido escritas o grabadas.
• Títulos, nombres, frases cortas y lemas, símbolos o diseños familiares, meras variantes de decoración tipográfica, letras o colores; meras listas de ingredientes o contenidos.
• Ideas, procedimientos, métodos, sistemas, procesos, conceptos, principios, descubrimientos, aparatos, como diferenciaciones de una descripción, explicación o ilustración.
• Obras que consisten totalmente de información que es de conocimiento público y no representan un trabajo que tenga un autor original. (Por ejemplo: calendarios, tablas de peso y estatura, cintas métricas o reglas, y listas o tablas obtenidas de documentos públicos u otras fuentes de uso común).
• Las leyes, reglamentos y demás normas. Se pueden publicar pero no dan exclusividad: otros pueden también publicar ediciones de las leyes. En los casos de obras como concordancias, correlaciones, comentarios y estudios comparativos de las leyes, sí pueden ser protegidas en lo que tengan de trabajo original del autor.

Los derechos de autor
El titular de los derechos de autor goza de derechos exclusivos respecto de:
• Reproducir la obra en copias o fonogramas.
• Preparar obras derivadas basadas en la obra.
• Distribuir copias o fonogramas de la obra al público vendiéndolas o haciendo otro tipo de transferencias de propiedad tales como alquilar, arrendar o prestar dichas copias.
• Presentar la obra públicamente, en el caso de obras literarias, musicales, dramáticas y coreográficas, pantomimas, películas y otras producciones audiovisuales.
• Mostrar la obra públicamente, en el caso de obras literarias, musicales, dramáticas coreográficas, pantomimas, obras pictóricas, gráficas y esculturales, incluyendo imágenes individuales de películas u otras producciones audiovisuales.
• En el caso de grabaciones sonoras, interpretar la obra públicamente a través de la transmisión audiodigital.

La protección del derecho de autor existe desde que la obra es creada de una forma fijada. El derecho de autor sobre una obra creada se convierte inmediatamente en propiedad del autor que creó dicha obra. Sólo el autor o aquellos cuyo derechos derivan del autor pueden reclamar propiedad.
Los autores de una obra colectiva son co-dueños del derecho de autor de dicha obra a menos que haya un acuerdo que indique lo contrario.
El derecho de autor de cada contribución individual de una publicación periódica o en serie, o cualquier otra obra colectiva, existen a parte del derecho de autor de una obra colectiva en su totalidad y están conferidos inicialmente al autor de cada contribución. La mera posesión de un libro, manuscrito, pintura o cualquier otra copia o fonograma le otorga al dueño el derecho de autor.
Los menores de edad pueden reclamar derecho de autor pero las leyes del estado pueden reglamentar cualquier transacción relacionada con este tema que incluya a menores.
Derechos Patrimoniales: son aquellos que permiten de manera exclusiva la explotación de la obra hasta un plazo contado a partir de la muerte del último de los autores, posteriormente pasan a formar parte del dominio público pudiendo cualquier persona explotar la obra.
Derechos Morales: Los cuales son ligados al autor de manera permanente y son irrenunciables e imprescriptibles.
Derechos Conexos: son aquellos que protegen a personas distintas al autor, como pueden ser los artistas, interpretes, traductores, editores, productores, etc.

Regulación del derecho de autor
La legislación sobre derecho de autor cambia de un país a otro. Las leyes de cada país difieren especialmente en los siguientes puntos:
• Plazo de protección. En la mayoría de los países, los derechos de autor expiran no más allá de 70 años tras la muerte del autor.
• Situación de la obras del Estado. En muchos países (pero no en todos), los documentos publicados por el Estado para uso oficial están en el dominio público.
• Tipo de material sujeto a derecho de autor.

México
Según la Ley Federal del Derecho de Autor, los derechos patrimoniales de autor están vigentes durante toda la vida del autor más 100 años tras el final del año de la muerte del autor más joven o de la fecha de publicación en caso de los gobiernos federal, estatal o municipal. Existe una excepción a esta regla: las obras que ingresaron al dominio público antes del 23 de julio de 2003. En general, esto significa obras creadas por alguien fallecido antes del 23 de julio de 1928 (75 años antes).
La legislación mexicana reconoce y protege tres tipos de derechos: derechos patrimoniales, derechos morales y derechos conexos.

Como ultimo comentario al respecto, les enseño como escribir su copyright © es muy fácil se hace con alt gr + c lamentablemente no podemos añadirlo directamente en las entradas, asi que primero abran una página de word y ahi si lo podran crear, luego copian y pegan.

Extracto de "El elogio a la locura"

2007-10-01T16:33:00.000-05:00

Diga lo que quiera de mí el común de los mortales, pues no ignoro cuán mal hablan de la Estulticia incluso los más estultos, soy, empero, aquélla, y precisamente la única que tiene poder para divertir a los dioses y a los hombres.
Vais, pues, a escuchar de mí un discurso que será tanto más sincero cuanto es improvisado y repentino.
En cuanto al motivo de que me presente hoy con tan raro atavío, vais a escucharlo si no os molesta prestarme oídos, pero no los oídos con que atendéis a los predicadores, sino los que acostumbráis a dar en el mercado a los charlatanes, juglares y bufones, o aquellas orejas que levantaba antaño nuestro insigne Midas para escuchar a Pan.
Me ha dado hoy por hacer un poco de sofista ante vosotros, pero no de esos de ahora que inculcan penosas tonterías en los niños y los enseñan a discutir con más terquedad que las mujeres. Imitaré, en cambio, a los antiguos, que para evitar el vergonzoso dictado de sabios prefirieron ser llamados sofistas. Se dedicaban éstos a celebrar las glorias de los dioses y los héroes. Por ello, vais a oír también un encomio, pero no el de Hércules ni el de Solón, sino el de mí misma, el de la Estulticia.
Es verdad que la dicha no puede ser perfecta hasta que el alma haya recuperado su antiguo cuerpo y le dé la inmortalidad, pero como la vida devota no es más que una meditación de esta existencia y como una sombra de ella, son algunas veces recompensados como con una especie de goce y aroma de ella.
...¿Qué razón existe para no hablaros crudamente según mi vieja costumbre? Responded, ¿es la cabeza, el rostro, el pecho, la mano, la oreja u otra parte cualquiera del cuerpo, de las llamadas honestas, la que tiene la virtud de reproducir a los dioses y a los hombres? Si no estoy equivocada, me parece que no, y más bien es otra parte tan loca, tan bufona, que no es posible nombrar sin reírse. Tal es el sagrado manantial de donde procede la vida con un poco más de seguridad que del cuaternario de Pitágoras
¿Cómo sería la vida, si le quitáramos el placer? veo que me aplaudís; ya sabía que ninguno de vosotros era lo suficiente cuerdo, o mejor, lo suficiente loco -¡vaya, me equivoco!-, quiero decir, lo suficiente cuerdo para no ser de mi opinión. Los mismos estoicos vuestros no desdeñan el placer aunque lo disimulen con cuidado; en público jamás dejan de injuriarlo; mas no conviene ver en esto más que una hábil maniobra para alejar a los demás del pastel, con el fin de que les corresponda mayor bocado. ¿Osarían sostener estos hipócritas que haya un sólo día en la vida que no sea triste, monótono, insípido, lleno de enojos y de disgustos, salvo que el placer, es decir, la Locura, no concurra a poner en él su granito de sal?... Sin embargo, quiero ir más allá. Quiero demostraros que no existe una acción brillante que yo no inspire, ni artes o ciencias que no sean de mi invención. ¿La guerra no es el teatro de los hechos más ensalzados y el tiempo donde se crían los laureles? Y no obstante, ¿hay locura mayor que complicarse en una lucha muchas veces sin saber por qué, aunque sin desconocer que ambos bandos han de perder más de lo que ganen? Los que mueren son como las gentes de Megara: no se los puede contar. En resumen, si, como Menipo, pudieseis mirar desde la luna, el oleaje enorme del género humano, supondríais estar viendo un enjambre de moscardones y mosquitos, peleando entre sí, luchando, tendiéndose lazos, robándose, mofándose unos de otros, y, en fin, naciendo, enfermando y muriendo incesantemente. Nadie podría imaginar los trastornos y las desdichas de que es capaz un animalillo tan pintoresco y vil y de vida tan efímera como es el hombre. En un combate, o bajo el azote de una peste, se aniquilan y desaparecen en breve lapso millares de personas... Y yo misma demostraría una locura suprema y me haría acreedora a las carcajadas de Demócrito, si pretendiese contar todas las formas de necedad y de locura que son comunes al vulgo.
. Solamente, pues, quiero tratar de aquellos mortales que gozan el concepto de sabios y han alcanzado los laureles de Minerva, según los que les rodean
El escritor que me pertenece por completo es mucho más feliz, porque ¿hay más dulce locura que la suya, ya que sin trabajo y sin pasar las noches en claro escribe rápidamente todo lo que piensa, lo que acude a la punta de su pluma y lo que sueña, sin otro gasto que un poco de papel? Perfectamente sabe él que cuantas más locuras escriba más ensalzado será por la multitud, es decir, por los ignorantes y por los tontos. ¿Qué puede importarle que tres o cuatro le desprecien, si por casualidad aciertan a leerle? ¿Qué significa el parecer de estos hombres ante el tributo de la multitud que lo aplaude?...
Pero noto que me he olvidado de que estoy traspasando los límites convenientes. Si alguien considera que he hablado con demasiada pedantería o locuacidad, pensad que lo he hecho no sólo como Estulticia, sino como mujer. Recordad, además, el proverbio griego que dice: «Los locos a veces dicen la verdad», a menos que penséis que este refrán no reza con las mujeres.
Veo que estáis aguardando el epílogo; pero os erráis si imagináis que me acuerdo de una sola palabra de todo este fárrago que acabo de soltar... Vaya este adagio antiguo: «No me gusta el convidado que tiene buena memoria.» Y yo invento éste: «Detesto al oyente que se acuerda de todo.» Por todo ello, ¡salud, celebérrimos devotos de la Sandez ". ¡Adios, pués! ¡Continuad bien, aplaudid, vivid y bebed, ilustres prosélitos de la Locura